Harry Gruyaert est un photographe belge (né à Anvers) qui vit et travaille à Paris, connu comme l’un des pionniers de la couleur.

En 1981, il devient membre de l’agence Magnum. Bien qu’il en soit l’un des grands représentants, il s’éloigne du goût des fondateurs pour le photojournalisme et le noir et blanc.

Avec pour fil rouge la couleur et la lumière – éléments de construction de ses images hypergraphiques – il arpente le monde. Le Maroc par exemple, voyage capital pour lui, lui vaudra le prix Kodak en 1976. Il y retournera de nombreuses fois pour en capturer la beauté et en témoigner dans ses ouvrages.

S’il a parcouru les richesses de l’Inde, de la Russie, du Japon, des États-Unis, etc., il n’en oublie pas les contrées moins lointaines, comme le nord de la France ou sa Belgique natale autour de laquelle il livre deux séries : Roots et Made in Belgium.

Il crée aussi du lien entre les différentes destinations qu’il a parcourues en alimentant des séries sur des thèmes comme les espaces transitoires (Last Call), les lieux du quotidien (Between Worlds) ou encore les bords de mer (Rivages).

Dans toutes ces images, on remarque une constante : il se passe quelque chose dans les ombres. En approfondissant leur noir, il met la couleur en lumière, la fait vibrer. Son utilisation de la couleur doit être, selon ses mots, « primordiale, sinon, c’est de la photo noir et blanc coloriée ».

Retrouvez l’interview d’Harry Gruyaert par la journaliste photo Brigitte Patient dans l’épisode 10 de son podcast « Écoutez Voir ».

Pour poursuivre votre exploration de l’œuvre d’Harry Gruyaert, nous vous renvoyons au Photo Poche qui lui est consacré (éditions Actes Sud, novembre 2022, 144 pages) et à l’exposition en cours au BAL à Paris (jusqu’au 24 septembre 2023) « Harry Gruyaert – La part des choses », qui réunit pour la première fois 80 tirages réalisés entre 1974 à 1996 selon le procédé Cibachrome qui se distingue par la netteté de l’image, l’intensité des couleurs et la saturation des aplats. L’exposition est organisée en collaboration avec la Gallery FIFTY ONE à Anvers, qui le représente.

brigittepatient.com/ecoutez-voir
www.wave.audio

magnumphotos.com
gallery51.com
le-bal.fr

Sylvie Rondeau et ses enfants s’évertuent à diffuser et à valoriser l’œuvre laissée par le photographe Gérard Rondeau, brutalement décédé en 2016.

Immense artiste photographe, Gérard Rondeau est décédé brutalement en 2016, laissant derrière lui une œuvre protéiforme où se mêlent de très nombreux portraits, des recherches sur le paysage et le patrimoine et bien d’autres sujets encore. Depuis lors, son épouse Sylvie veille sur les milliers de négatifs conservés dans les tiroirs de la demeure familiale. Elle y conserve aussi les tirages de petit format, alors que les plus grandes pièces sont pour l’heure stockées dans les greniers de l’Hôtel du Marc, à Reims. Une chance, car la principale difficulté, lorsque l’on doit gérer un fonds patrimonial de cette importance, tient d’abord à l’espace nécessaire pour stocker autant de matériaux. Puis à l’organisation du fonds : « Nous avons la chance que Gérard ait été très minutieux dans ses classements, d’abord chronologiques jusqu’au début des années 2000, puis thématiques par la suite », observe Sylvie Rondeau, en charge avec ses enfants de faire vivre l’œuvre inestimable de l’artiste.

La tâche est conséquente, les demandes affluent chaque mois pour que l’on retrouve le négatif ou le tirage d’une photo de Gérard Rondeau. Bien que l’œuvre du photographe champenois soit représentée par l’agence VU’ pour ce qui concerne les photographies les plus diffusées, ainsi que par la galerie parisienne Baudoin Lebon, bien des sollicitations échoient à Sylvie Rondeau qui doit s’attacher, parfois pendant des jours, à rechercher la photo désirée pour une exposition, une insertion dans un magazine, une édition… « Heureusement, 35 ouvrages des photos de Gérard ont été publiés, constate-t-elle. C’est une source d’information très importante pour moi, je peux retrouver les clichés plus facilement en m’appuyant sur cette bibliographie. » Gérard Rondeau a aussi conservé tous les tirages, encadrés, des expositions qui lui ont été consacrées et son épouse dispose également de nombreuses boîtes de tirages de lecture dans lesquelles elle peut puiser et qu’elle peut, éventuellement, faire numériser en haute définition par le laboratoire Dupon, à Neuilly-Sur-Seine, qui travaillait déjà avec son mari de longue date. Seul un dixième des négatifs a pu être numérisé à ce jour, et aucun inventaire exhaustif de ceux-ci n’a été réalisé depuis 2004, preuve s’il en est qu’il reste un travail considérable à mener pour sauvegarder et faire circuler plus encore l’œuvre laissée par l’artiste. Un travail professionnel auquel ne peut bien sûr se livrer seule la famille du photographe.

Les portraits de Gérard Rondeau, souvent des portraits d’artistes réalisés pour le quotidien Le Monde, avec lequel il a collaboré pendant plusieurs décennies, sont particulièrement recherchés. Pour illustrer l’hommage rendu au peintre Pierre Soulages lors de son décès, c’est un portrait de Gérard Rondeau qu’a choisi la rédaction du journal, voici quelques mois. Au décès du photographe, le critique d’art Philippe Dagen évoquait ainsi, dans les colonnes du Monde, l’art du portrait tel qu’il le pratiquait : « L’instant de l’image, pour Rondeau, n’est décisif qu’autant qu’on le sent lourd de ce qui a précédé – une histoire qui se déchiffre dans les rides et les vêtements – et plein de ce qui pourrait arriver ensuite – un sourire ou une colère. Celles et ceux que Rondeau regarde sont, quels que soient leur âge et leur situation, des êtres denses et compliqués que l’on ne peut que supposer et poursuivre par la pensée ». Une belle manière de toucher à la puissance d’une œuvre d’une rare profondeur. On sollicite Sylvie Rondeau pour des couvertures d’ouvrages. Ainsi récemment pour Les Vivants et les autres, le dernier livre de l’écrivain angolais José Eduardo Agualusa, ou bien pour la réédition de La Peste et de L’Étranger, de Camus, « qui ont été très lus durant les confinements ». Ou encore pour un portrait de Jean-Paul Riopelle, sans doute le plus grand peintre québécois, compagnon de Joan Mitchell et ami de Paul Rebeyrolle, dont le portrait, réalisé par Gérard Rondeau, figurera en bonne place, cet été, dans la rétrospective qui lui sera consacrée au Québec.

L’œuvre laissée par Gérard Rondeau est colossale et son épouse entend la partager avec le plus grand nombre. Elle a bien à l’esprit quelques idées d’ouvrages, pour l’instant à l’état de projet, mais elle s’évertue d’abord à monter chaque année deux expositions des photographies de Gérard Rondeau. « Ce n’est pas le plus simple. Je suis devenue commissaire d’exposition comme cela, seule. Gérard est décédé très brutalement, il n’y a pas eu de transmission pour cela. La préparation d’une exposition exige beaucoup de recherche, des choix et un travail que l’on n’imagine pas lorsqu’ensuite on la visite. » Sylvie Rondeau se charge personnellement de l’accrochage. « Je connais si bien les attentes que Gérard avait en la matière. J’essaie donc d’accrocher les œuvres dans l’esprit de ce que, lui, aurait aimé voir. » Contactée par les collectivités qui souhaitent exposer l’œuvre de Gérard Rondeau, son épouse n’a pas à porter de démarches spécifiques, la structure accueillant l’exposition se chargeant des demandes de subventions, des contrats d’assurance, du transport, etc.

Pour diffuser l’œuvre de Rondeau, son épouse est aidée par l’association Gérard Rondeau, que préside l’écrivain et journaliste Jean-Paul Kauffman et au sein de laquelle figurent quelques proches du photographe, comme l’auteur et académicien Frédéric Vitoux, l’éditeur et journaliste Olivier Frébourg, fondateur des Éditions des Équateurs, ou le musicien Miguel da Silva. Depuis sa fondation, en 2008, l’association a pour objet la promotion, la diffusion et la défense de l’œuvre du photographe. Elle peut être amenée à collecter des fonds sur des projets spécifiques permettant sa valorisation. « Ils sont tous d’un appui formidable pour faire connaître l’œuvre de Gérard, en parler autour d’eux, nous mettre en relation avec des personnes qui pourraient l’exposer ou l’éditer », souligne Sylvie Rondeau, assistée dans ses nombreuses démarches par ses trois enfants. « Ma fille a réalisé l’inventaire de toutes les photographies encadrées. C’est un travail conséquent sans lequel il nous serait impossible de sélectionner les photographies pour les besoins d’une exposition », assure-t-elle. À cela s’ajoute l’actualisation, difficile à tenir, du site Internet de l’artiste. Un modèle familial qui trouve ses limites tant la tâche est considérable. Pour aller plus loin, et donner plus de visibilité encore à la recherche unique de l’artiste champenois, un nouvel accompagnement du fonds devra être imaginé…

gerardrondeau.com
IG : @gerardrondeauphoto

En résidence pour le Festival Portrait(s) qui explore depuis dix ans la figure humaine sous toutes ses coutures, la photographe Letizia Le Fur pointe les visages des séniors de la ville en autant de tableaux tendres et acidulés. Une déambulation visuelle en toute liberté avec le célèbre « carreau » de Vichy revisité.

 À l’époque de Napoléon III, la dernière mode voulait que l’on soit vu en « Vichy », c’est-à-dire être vêtu du célèbre motif du tissu de la ville, de petits carreaux de couleur mêlés à de petits carreaux blancs. L’impératrice Eugénie en serait même tombée amoureuse et aurait ainsi participé à propager le tissu dans toute l’Europe, les « élégantes » de la fin du XIX^e siècle achevant le travail à ses côtés et faisant de lui un accessoire dernier cri. La photographe Letizia Le Fur a joué le jeu de ce carreau à fond : « J’ai quadrillé la ville de long en large pendant environ trois semaines pour préparer le shooting de cette série tout en m’inspirant de ce célèbre carreau. Nous avons réalisé ensuite quatre jours de shooting intense et puis je suis restée quelques jours pour prendre en photographie différents endroits de Vichy ».

Invitée par la ville, elle a ainsi dressé le portrait de « séniors actifs », de personnes qui vivent en plein « troisième âge » et semblent le revendiquer, le porter haut ainsi qu’une médaille, mais avec un certain humour et de la légèreté. Un casting a été réalisé auprès des habitants et, une fois sélectionnés, ils ont été habillés par la styliste Marjorie Donnart et placés dans des situations singulières, au cœur de différents lieux représentatifs de la ville. « Je voulais souligner la palette colorée de Vichy et montrer des coins qu’on ne voit pas forcément », explique Letizia Le Fur. Ainsi de tel théâtre aux fauteuils d’un jaune très prononcé, de ce vitrail art nouveau qui représente des musiciens en plein concert ou encore de cette cheminée en brique orange dans un pur style années 1970.

La photographe s’amuse des codes et des couleurs et vient pulvériser l’idée que nous nous faisons d’une vieillesse déclinante et décliniste. « J’ai voulu montrer des personnes âgées heureuses, bien dans leur âge », témoigne-t-elle et de confier que ce travail l’a changée, lui a permis d’ouvrir davantage les yeux sur le grand âge. Comme elle l’écrit dans un texte au début du livre qu’elle publie sur la série aux éditions Filigranes : « En rentrant à Paris, dans cette ville parfois hostile aux plus âgés, je me suis surprise à sourire à une dame voûtée et plus fluette que son caddie. Avant je serais peut-être passée à côté d’elle sans la regarder. »

letizialefur.com
IG : @letizialefur
Le livre « Quadrille » de Letizia Le Fur sur filigranes.com

Portrait(s), Rendez-vous photographique de Vichy
Jusqu’au 1^er octobre 2023
À Vichy (Allier) : Esplanade du Lac d’Allier, Grand Établissement Thermal, Parvis de la gare
La programmation sur www.ville-vichy.fr/portraits

Après une exposition consacrée à Claude Monet organisée l’été dernier, le musée d’Art moderne de Fontevraud, soutenu par la région Pays de la Loire, poursuit sa présentation de figures majeures de l’histoire de l’art avec une mise en lumière, jusqu’au 24 septembre 2023, des eaux-fortes de Rembrandt (1606 – 1669), un pan inattendu et pourtant fondamental de l’œuvre de l’artiste.

Si l’on connaît déjà le Rembrandt peintre, on y fait ici la connaissance du Rembrandt graveur, développant les possibilités infinies de l’eau-forte dès 1625, à Leyde aux Pays-Bas. Cette technique de gravure par procédé chimique, dont il est devenu un maître incontesté, a largement contribué à le rendre célèbre en Europe.

Présentant au total cent eaux-fortes – dont une majeure partie provient du Fonds Glénat, complétée par des œuvres issues d’autres collections comme celles de la Fondation Custodia et du musée du Petit Palais à Paris –, le parcours se focalise sur les moyens esthétiques (clair-obscur, trouée, accumulation…) et techniques (traits, hachures…) que l’artiste a imaginés pour restituer le monde en noir et blanc. On prend ainsi toute la mesure de la virtuosité de son geste et de son extraordinaire créativité.

Dialogue avec Elger Esser

Elger Esser est un artiste photographe franco-allemand né en 1967, présent dans les plus grandes collections telles que le Guggenheim à New-York et le Rijksmuseum à Amsterdam. Avec sa chambre photographique, il sillonne de nombreux pays photographiant et répertoriant des paysages intemporels où ni la figure humaine, ni son empreinte ne sont visibles.
Il nourrit son travail d’inspirations littéraires (Proust, Flaubert ou Maupassant) et picturales du XIX^e siècle. De ce siècle, il tire aussi les techniques qu’il expérimente et réinvente : héliogravure, impression sur cuivre.

L’aspect expérimental de son œuvre fait directement écho aux recherches de Rembrandt sur les eaux-fortes. On constate aussi des affinités plastiques entre eux : jeux de lumière, étagement des plans horizontaux et verticaux, cadrages qui laissent une large place aux zones claires ou, à l’inverse, obstruent le regard…

Disséminées dans le parcours d’exposition, les photographies sur cuivre d’Elger Esser révèlent la capacité des eaux-fortes de Rembrandt à entrer en résonance avec les expressions artistiques contemporaines et, de fait, de porter un regard neuf sur l’œuvre de celui qui vivait il y a quatre siècles.

« Rembrandt en eau-fort »
Jusqu’au 24 septembre 2023
Musée d’Art moderne de Fontevraud
Place Plantagenet
49590 Fontevraud-l’abbaye
fontevraud.fr  /  @fontevraud
elger-esser.com  / @elger.esser

Alors qu’elle s’apprête à dévoiler sa dernière série sur la masculinité réalisée dans le cadre de la Grande commande photographique du ministère de la Culture portée par la Bibliothèque nationale de France, Camille Gharbi revient sur son parcours de près de dix ans de photographies. En ligne de mire, son livre « Ce qui reste, ceux qui restent » restituant un travail réalisé dans le cadre d’une résidence sur l’immeuble Tisserand à Bogny-sur-Meuse (Ardennes).

Diplômée en architecture à 24 ans, après avoir travaillé quelques années en agence, en 2014 vous décidez de vous consacrer à la photographie. Comment s’est opéré ce tournant ?

En effet, je n’ai pas de formation en beaux-arts ni en école de photo mais j’ai toujours fait de la photographie et du dessin, avec l’idée de représenter le monde – par des croquis de voyage, de la photo urbaine, etc. Progressivement, ces pratiques ont pris de plus en plus de place et j’ai commencé à développer des petites séries. C’est devenu un moyen d’expression, une façon de réfléchir sur le monde. Dès l’origine, il ne s’agissait pas simplement de témoigner mais d’affirmer un point de vue, ce que je ne pouvais pas faire en architecture. Mais à y regarder de plus près, ces métiers ont des points communs, dans les deux cas il s’agit d’un travail sur la lumière et la composition. Et il n’est pas si rare que des architectes deviennent photographes, comme le prouvent Reza et Gabriele Basilico.

La bascule s’est-elle faite aisément ?

C’était l’idée de trouver ma place. J’imagine que ce sont des questions que l’on se pose quand on entre dans l’âge adulte et dans la vie professionnelle… J’ai dû faire une crise de la trentaine ! Ce changement s’est fait à force de détermination et de beaucoup de travail. J’avais bien conscience que vivre de la photo serait compliqué. Du coup, j’ai trouvé logique de me servir de mon expérience dans l’architecture et, étonnamment, cela m’a permis de gagner ma vie assez rapidement. Ce n’est pas forcément le style de photo qui m’intéressait car j’étais déjà attirée par le reportage documentaire mais je n’avais pas les moyens de faire une formation. J’ai donc appris sur le tas, notamment avec des photographes, comme Frédéric Delangle, que j’ai pu suivre en prise de vue. Aujourd’hui, parallèlement à l’architecture et mes travaux personnels, je travaille aussi pour Le Monde et Télérama.

Vous choisissez des sujets sociétaux qui suscitent le débat : les migrants, les féminicides, la masculinité… Vous considérez-vous comme une photographe engagée ?

Oui, c’est un terme qui me convient. Je travaille sur des sujets qui me touchent personnellement ou liés à des expériences vécues. Je trouve très dur d’être témoin des choses et de ne rien faire… Je les aborde de manière plasticienne pour tenter de couvrir un champ large de réflexions, de mener une analyse profonde, de susciter des questionnements… Je pense que l’art a une dimension politique parce qu’il permet de transformer les choses, même si ce n’est que de manière infime. Pour moi, la photographie est un mode d’action, ce qui ne m’empêche pas d’apprécier les œuvres purement poétiques.

La série sur la jungle de Calais (2016-2017) constitue un tournant car vous passez d’une écriture documentaire classique à un vocabulaire formel original. S’agit-il de dépasser le simple constat ?

Avec « Lieux de vie », je mets pour la première fois en adéquation discours et forme. J’en ai ressenti la nécessité quand je me suis retrouvée face aux images qui, à l’état brut, ne reflétaient pas ce que j’avais perçu à Calais. Et je voulais éviter de donner une image misérabiliste de cet endroit. À ce stade, le lieu était à moitié rasé. Ne subsistaient que quelques constructions qui témoignaient de la vie sociale qui s’était développée, avec des bâtiments convertis en bibliothèque, école, église orthodoxe, etc. Les mots inscrits sur les murs étaient pour moi comme des cris. Mon but était qu’on les regarde attentivement. C’est la raison pour laquelle j’ai utilisé le détourage pour les extraire de leur contexte. Cela permet de susciter la curiosité, car à première vue on ne sait pas ce qu’on regarde. Et cela oblige ensuite à se concentrer sur les architectures, à lire les inscriptions, etc.

Quel regard portez-vous sur les images produites aujourd’hui ?

Je me demande bien sûr ce que je peux apporter de plus… L’image est partout. De mon côté, j’en fait assez peu car je m’interroge : comment fait-on pour passer d’une logique de consommation de l’image à un regard attentif ? En ce qui me concerne, je ne cherche pas le sensationnalisme. Je fais le constat que les images violentes ne m’aident pas à réfléchir, qu’elles n’agissent pas sur moi. Je pense même que leur multiplication crée davantage une forme d’accoutumance qu’un éveil des consciences.

« Preuves d’amour » (2018) exposée en 2019 au festival Circulation(s) marque un nouveau virage. Comment est née l’idée d’aborder le thème des féminicides à travers une série de natures mortes d’objets du quotidien ayant servi à tuer ?

Comme souvent, mon travail commence par une enquête et de nombreuses lectures. Un article de presse sur les violences faites aux femmes faisant référence à un féminicide commis au cutter m’a interpelée. D’autant plus que c’est un outil qui m’est familier, en tant qu’architecte. J’ai creusé le sujet et je suis tombée sur une association menant un remarquable travail de recensement et de documentation sur la manière dont ces crimes sont perpétués. Entre 2016 et 2017, j’ai étudié plus de 256 cas de meurtres. Ce travail de fond qui s’apparente à une véritable immersion faisait écho à ma vie personnelle puisque j’étais alors enceinte d’une petite fille. Il faut vivre avec ces histoires ! Et dans mon entourage, j’ai été témoin d’événements liés à ce sujet. À travers mon enquête, j’ai mesuré l’ampleur du phénomène… J’ai constaté que bien souvent les armes utilisées sont des objets du quotidien ordinaires, à portée de main. J’ai donc décidé de les photographier en jouant sur le contraste entre une esthétique douce des images et ces objets a priori inoffensifs qui pourtant sont devenus des armes meurtrières.

Dans le deuxième volet de « Preuves d’amours », vous donnez la parole à des hommes coupables de violence, une démarche audacieuse. Comment avez-vous procédé ?

J’ai mis du temps à trouver les bonnes personnes et le juste équilibre entre accusation et victimisation, au moins six mois de préparation. J’ai eu des échanges avec des experts médicaux, des psychiatres, des médecins légistes, des professionnels du monde carcéral, des avocats, etc. Les prises de vues ont été réalisées dans deux prisons différentes, dans des parloirs ou dans des salles d’activité. J’ai choisi des hommes menant un travail de remise en question. Et pour ne pas les valoriser, je ne montre pas leur visage.

Dans quel contexte l’ouvrage « Ce qui reste, ceux qui restent » sur l’immeuble Tisserand, à Bogny-sur-Meuse, a-t-il vu le jour ?

Cette série a été réalisée dans le cadre d’une résidence artistique à l’initiative du bailleur social HABITAT 08 en partenariat avec l’association de photographie contemporaine La Salle d’Attente. Au départ, le livre n’était pas prévu. C’est une initiative de Benoît Pelletier des Editions Process, dont c’est le premier ouvrage. Il a conçu la maquette à partir d’un editing que j’ai effectué avec Raphaële Bertho. Historienne de la photographie spécialiste de la représentation du territoire, elle avait déjà travaillé sur mon précédent ouvrage. Elle a signé également un des textes de « Ce qui reste, ceux qui restent ».

En quoi ce projet se distingue-t-il de vos précédentes séries ?

Comme il a été effectué dans le cadre d’une résidence, j’ai travaillé sur un temps court, ce qui est inhabituel pour moi. Autre différence, ce n’est pas une série répétitive, contrairement à celles que nous avons évoquées précédemment. Et bien que je ne sois restée que deux semaines sur place, il y a de nombreux types d’images : portraits, paysages, vues d’intérieurs d’appartements, des parties communes de l’immeuble… Soit un ensemble complexe bien restitué dans le livre auquel s’ajoutent les témoignages oraux que j’ai recueillis auprès des derniers habitants de ce logement social voué à la destruction. Ces destins individuels nous ramènent à une histoire collective. À travers les histoires singulières il y a toujours des choses qui nous concernent tous, c’est pour cela qu’on peut s’identifier.

Pourquoi avoir transformé certaines images ?

J’ai eu recours à la surimpression mêlant portraits et paysages afin de mettre les habitants en valeur, de les transcender d’une certaine manière. Et aussi afin d’être fidèle à leur témoignage faisant souvent référence à la nature environnante. Car nombreux sont ceux qui ont évoqué le cadre idyllique autour du bâtiment, avec la rivière, les arbres, etc. Par ailleurs, il y a deux types de paysages, ceux captés depuis les parties communes à travers les fenêtres et ceux réalisés à l’extérieur. Pour les premiers, il n’y a pas de transformation. J’ai fait la mise au point sur la crasse présente sur les vitres – qui n’ont sans doute pas été lavées depuis des décennies –, pour signifier l’abandon, si bien que les paysages sont flous. Et pour les seconds, j’ai retourné l’image. Ainsi, le reflet des arbres dans la rivière se retrouve en haut de l’image. Et j’ai retravaillé la chromie pour accentuer la singularité de ce cadre qui est à la fois ‘pauvre’ et beau, familier et étrange. C’est aussi une façon d’exprimer l’inversion du cours de l’histoire et l’amertume des habitants face à leur vie, étant contraints de quitter les lieux.

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