Le 7 février devait s’achever l’exposition « Gilles Caron, Un monde imparfait » au Cellier, à Reims. Un projet né il y a deux ans, qui n’ouvrira finalement jamais ses portes. Conjointement conçu par l’association La Salle d’Attente, La Fondation Gilles Caron et la Ville de Reims, cet événement rendait hommage au travail du photoreporter, disparu depuis maintenant 50 ans (1939-1970), et nous en dévoilait les coulisses. Retour sur le parcours tant fulgurant qu’intense du journaliste de guerre, tout en donnant un sursis de vie à cette exposition.

Aussi brève fût-elle, la carrière de Gilles Caron n’a pas manqué de densité. En 5 ans d’activité, de 1965 à 1970, ce sont plus de 100 000 clichés qui ont été retrouvés. La société est en pleine mutation structurelle. Les guerres modernes changent d’envergure, faisant de la population un acteur à part entière des conflits, et les révoltes citoyennes se multiplient. Un climat de tension dont le photoreporter et cofondateur de l’agence GAMMA sera le témoin direct : La Guerre des Six Jours, du Vietnam, du Biafra, les manifestations de Mai 68, les répressions du Printemps de Prague ou les émeutes de Londonderry. Être photojournaliste dans ce contexte répond pour Gilles Caron à une volonté d’attester des événements de son époque, d’en rapporter les traces tangibles pour inviter aux prises de conscience. Incarnant sa propre vision de ce qu’est l’héroïsme dans ce « monde imparfait », comme il l’écrit en 1960, il continuera sans cesse de questionner la finalité de son métier.

La face cachée des icônes
En 1960, Gilles Caron effectue son service militaire en tant que parachutiste en Algérie. Durant 22 mois, il fait le récit des missions à sa mère, empli d’amertume. Les prémices d’un engagement qui lui vaudra deux mois de prison après avoir refusé le combat suite au putsch des généraux. S’il commence sa carrière en 1965 comme photographe de mode et quelque peu paparazzo, faisant la sortie des théâtres parisiens, il rejoint très vite l’équipe fondatrice de GAMMA en 1966 : Raymond Depardon, Hubert Henrotte, Jean Monteux et Hugues Vassal. À leurs côtés, Gilles Caron va courir le monde et capter les images iconiques qui nous restent aujourd’hui, avant de disparaître prématurément lors d’une mission au Cambodge en 70.

C’est au fil de ces photographies marquantes que s’articule l’exposition. Afin de proposer un regard neuf sur le travail de Gilles Caron, les organisateurs ont choisi de la confier à trois jeunes commissaires (Guillaume Blanc, Clara Bouveresse et Isabella Seniuta) comme nous l’explique Alain Collard, fondateur de l’association La Salle d’Attente – qui œuvre à l’organisation et au soutien d’actions culturelles et artistiques autour de la photographie.
Un concept qui se résume autour de 8 clichés majeurs, 8 reportages dont on découvre les coulisses et parfois des archives inédites.

Pour pallier notre visite devenue impossible, une captation documentaire de l’exposition, disponible en ligne, nous guide sur les étapes et anecdotes du parcours. On y retrouve le portait d’un soldat américain appelé « zippeur » du nom des briquets Zippo, lors des opérations « Search and Destroy » au Vietnam 1967. Derrière, la légende indique « Décembre 1967. Les soldats américains, tantôt soldats, tantôt assassins ». Plus loin, l’image glaçante de Raymond Depardon durant la guerre du Biafra, guerre civile au Nigeria, en train de photographier un enfant qui agonise de la famine engendrée. Suit Daniel Cohn-Bendit lors des rassemblements de 68 face à un policier, représentation devenue célèbre par ses publications postérieures dans la presse. Les photographies de manifestants également, qui jettent des pavés sous un nuage de fumée, et qui donneront naissance à la figure mythique du lanceur, synonyme d’une jeunesse en révolte.

À travers les clichés d’une époque se dresse celui d’un homme engagé. Nous questionnant encore aujourd’hui sur le « choc des photos » et la redéfinition de ce qu’est la déontologie. Une quête à mort pour Gilles Caron, qui – comme le dit sa fille, Marjolaine Caron – sera malgré tout parvenu à trouver sa place dans ce monde imparfait.

fondationgillescaron.org
instagram.com/fondationgillescaron
instagram.com/lasalledattente

Photo en une de l’article :
Première division hélico – Guerre du Viêt Nam, Décembre 1967 © Fondation Gilles Caron / Clermes

Pour sa deuxième édition, FARaway – Festival des Arts à Reims interroge à nouveau toute la complexité du monde sous le prisme de la création contemporaine.

La démarche est assez rare pour être soulignée. Le festival rémois n’est pas porté par un seul opérateur mais par sept structures culturelles, toutes sur le même pied d’égalité. Si dans bien d’autres villes, ces temps troublés ont rapproché et soudé les acteurs culturels, à Reims, voici déjà une décennie que tous travaillent dans le même sens dans l’organisation d’un grand temps fort. Reims Scènes d’Europe qui a exploré le champ de la création européenne, sans jamais renoncer à trouver matière à débat autour des grands maux de notre temps, s’est transformé pour devenir FARaway, un nouveau temps fort qui, depuis l’an passé, s’est ouvert au monde, avec une programmation résolument pluridisciplinaire qui tend même à s’étoffer pour une seconde édition encore plus prolifique. La programmation est collégiale, chacun partageant ses coups de cœur, ses réseaux et le meilleur de l’actualité de la création dans son domaine.

Ce « Festival des Arts » à Reims est porté par La Cartonnerie, Césaré, La Comédie, le Frac, Le Manège, Nova Villa et l’Opéra de Reims qui proposent ensemble une programmation foisonnante. En février, ce sont 150 artistes et 38 spectacles qui viendront témoigner de la création contemporaine à l’œuvre dans leurs pays et dans le monde. L’objectif de FARaway est celui de la diversité des propositions, celui-là même qui saura susciter la curiosité. Mais il est aussi d’interroger la façon dont nous sommes au monde, de bousculer les consciences et d’interroger toutes les complexités de notre époque. Ici, les artistes sont « des agitateurs et des agitatrices », selon les mots du collectif d’organisation, engagés, responsables, observateurs de leur époque, sur laquelle ils posent leurs mots, leurs gestes, leur colère et leur poésie. Laissez-vous guider et, que vous soyez un spectateur habituel ou occasionnel du Manège, de la Cartonnerie ou de la Comédie, partez à la rencontre des propositions d’autres structures culturelles qui ont composé la programmation de FARaway. Plus que jamais, après de longues semaines de confinement sans spectacle, l’heure sera à l’ouverture, à la curiosité et à la rencontre de l’autre.

La complexité du monde
Il serait vain de vouloir présenter l’intégralité d’une programmation aussi prolifique, mais il est possible de tirer des fils entre certains projets qui témoignent de l’état du monde. La jeunesse s’y exprimera, dans son mal-être comme dans ses plus grandes espérances, dans les propositions des Italiens Daria Deflorian et Antonio Tagliarini qui en pointent les souffrances dans Chi Ha Ucciso Mio Padre, d’après Qui a tué mon père, le roman transgressif d’Edouard Louis, dont ce sera à La Comédie la toute première représentation en France. On pense aussi à la proposition du chorégraphe congolais Faustin Linyekula, artiste associé au Manège, qui nous donne à voir les implications politiques et humaines de la création du Ballet national du Zaïre dans les années 70 (Histoire(s) du théâtre II). Parmi les interprètes, trois d’entre eux figuraient dans le ballet d’origine, utopie vivante, lieu de tous les rêves de danse et de rencontre avec le public, vite contrarié par la guerre et la souffrance. L’histoire s’écrit ici au présent, avec des corps, jeunes et vieux, qui partagent dans l’instant une même expérience. Pour les plus âgés, c’est aussi le prolongement d’une mémoire qui s’écrit dans la danse des jeunes interprètes, où l’émotion affleure dans chaque geste. Une pièce événement. Dans Lettres du continent, c’est aussi à la jeunesse africaine que ce même Faustin Linyekula et Virginie Dupray donnent la parole, là où trop souvent ce sont les européens qui collent des mots sur ses aspirations et sur ses rêves (projection à Sciences Po).

Autre sujet, celui de l’homophobie, que l’on retrouvera dans La Reprise – Histoire(s) du théâtre (I), du metteur en scène suisse Milo Rau, qui retranscrit dans une pièce de théâtre documentaire déchirante le meurtre d’un jeune homosexuel à Liège. Le réel est ici la source première d’un drame qu’il reconstitue minutieusement sous nous yeux, avec des comédiens professionnels et amateurs – dont certains sont des Liégeois –, et une captation vidéo live dont l’apport dramaturgique se révèle essentiel. Avec des questions passionnantes : Comment faire exister une victime au plateau ? Comment y convoquer la mort, l’innommable, et assister à la pire horreur sans se lever de son siège ?… Une claque, sur un format court, ramassé, d’à peine plus d’une heure. Une pièce choc qui a fait l’unanimité depuis sa création au Festival d’Avignon et qui séduira aussi, par sa puissance évocatrice, un public peu habitué des salles de théâtre. Sur ce même sujet, Outside, de l’artiste russe Kirill Serebrennikov, sera très attendue, traversant la vie et le suicide de Ren Hang, photographe chinois, dans un pays qui réprouve l’homosexualité. Les deux pièces sont à découvrir à La Comédie. Outside, présentée à Avignon en 2019, a reçu le prix du meilleur spectacle étranger par le Syndicat de la critique.

Une effervescence de rue
Parmi les nouveautés de cette édition 2021, on notera la programmation de plusieurs expositions : celle de Bouvy Enkobo au Cellier, celle de Cathy Josefowitz et Susie Green en dialogue au FRAC avec au centre un même questionnement sur le corps, l’altérité et le déguisement (exposition Empty rooms full of love), ou encore l’installation son et lumière de Meryll Ampe, proposée par Césaré au Cirque ; une création, et ici également une première en France.

On remarquera aussi que le programme de Little FARaway, le volet jeune public de la manifestation s’est considérablement renforcé. On y croise des spectacles pour les tout petits, comme Le Nid, spectacle musical très enveloppant des Flamands du Theater de Spiegel, ou encore Paired, du Magnet Theatre, un spectacle qui convoque au plateau de jeunes danseurs sud-africains, joueurs et fantasques. Quatre danseurs et autour d’eux, des dizaines de chaussures dépareillées. Car c’est bien de « faire la paire »  qu’il sera question dans ce spectacle d’une rare énergie communicative. Faire la paire, aller par deux, trouver son ou sa semblable…

Qu’il s’agisse d’amour ou d’amitié, c’est un vrai sujet chez les petits comme chez les grands. Dans un amas de chaussures, c’est un peu la même chose. Une chaussure n’est rien si elle ne fait pas la paire avec une autre. Drôle, émouvant et surtout très joyeux, à ne manquer sous aucun prétexte ! Deux propositions de l’association Nova Villa. Les jeunes rémois pourront aussi découvrir Borderless (Blanca Franco et Sébastien Davis-Van Gelder) au Manège, pour une plongée dans l’univers acrobatique de la Lucha libre, cette forme de catch très populaire au Mexique.

Une autre évolution de la manifestation tient à cette volonté partagée par les sept structures organisatrices que FARaway soit encore plus présent dans la ville et dans la vie des Rémois. C’est ainsi qu’une installation de rue spectaculaire est prévue, tout près de l’Hôtel de ville, rue Colbert. Sur huit grandes bâches, il sera alors possible de découvrir les plus beaux clichés de l’incroyable catcheur Cassandro el Exótico, par la photographe Estelle Hanania. Une installation haute en couleur.

La musique n’est pas en reste avec Electronic guerilla, la création de Sébastien Béranger et Alex Grillo – présentée à Césaré – mêlant texte, électronique, vidéo et improvisations instrumentales pour questionner notre rapport aux nouvelles technologies. Ou encore, le concert à la Cartonnerie du Léon Phal Quintet, en clôture du festival. Flirtant déjà dans la cour des grands du jazz contemporain, le saxophoniste Léon Phal à la tête du quintet a été sacré « révélation » par les magazines Jazz News et Jazz Magazine pour la sortie de son premier album « Canto Bello ». Il sera également bien vu de se rendre à l’Opéra pour RE : Les Monstres, une étonnante proposition associant à Dominique Pinon – le comédien fétiche du cinéaste Jean-Pierre Jeunet – le baryton Paul-Alexandre Dubois pour un spectacle grinçant où le théâtre se mêle à la musique, le cabaret à l’opéra, le drame à l’humour noir.

Un lancement inattendu
À travers des installations sonores et des expériences gustatives, l’artiste nigérian Emeka Ogboh dévoile ses recherches sur l’influence des structures politiques et géopolitiques sur nos sphères individuelles et collectives. À partir des résultats d’un questionnaire diffusé « auprès des Rémois et au-delà », il a composé une bière dont la saveur relate le rapport des répondants aux problématiques sociales et politiques. Sa création gustative réalisée en collaboration avec le SHED-Senses Brewing sera accompagnée le soir du 4 février, pour le lancement de FARaway, d’une intervention musicale de l’artiste, qui traduit à travers des partitions sonores ses analyses d’un contexte, d’une histoire, d’une mémoire collective.

FARaway – Festival des Arts à Reims
Du 4 au 14 février
À la Comédie, au Manège, au Frac, au Cellier, à la Cartonnerie, à l’Opéra, à Césaré, à Sciences Po, au cinéma Opéraims, dans la ville…

farawayfestival.eu
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À la fois studio de création et galerie, Sinople est né en 2018 d’une rencontre entre Julien Strypsteen et Éric-Sébastien Faure-Lagorce. Après plusieurs années d’exercice dans des structures différentes mais ayant en commun la promotion des métiers d’art, les deux compères ont voulu, en créant Sinople, donner corps au discours de l’interdisciplinarité entre les arts, le design et les savoir-faire de la main. À travers une sélection fine d’œuvres et d’objets réunis pour l’exposition collective « Paysage intérieur », ils dévoilent avec une délicatesse extrême leur sensibilité commune pour la beauté du geste.

Pourquoi avoir choisi le thème « Paysage intérieur » ? Qu’est-ce que cela signifie pour vous ?
Sinople : Les thèmes que nous mettons en place sont toujours étroitement liés à l’identité de Sinople. Il y a une réelle histoire derrière l’origine de ce mot – « Sinople » – et de cette histoire, nous avons tiré le fil pour imaginer des thématiques de travail. La nature était la première, elle était évidente car ça fait partie de notre sensibilité. L’origine du mot « Sinople » désigne un pigment ou une pierre que l’on vient collecter dans la nature. Pour l’acte 1 de « Collectible Nature » nous avons donc rencontré une multitude de personnes qui dans leur démarche collectaient des éléments de la nature pour créer leurs œuvres/objets ou, de façon plus intellectuelle, procédaient à une classification qui relevait de l’ordre de la collection. À partir de là, on s’est projeté sur la notion d’herbier, de musée d’histoire naturelle, etc.
« Paysage intérieur » est le volet 2 de « Collectible Nature ». Il est lié à la notion d’enfermement, à l’idée d’avoir des réminiscences du paysage et donc de développer une dimension psychique du paysage en l’intériorisant.

Au cours de nos quinze années d’expérience dans le milieu, lors desquelles nous étions en permanence en « mode veille », nous avons identifié de très nombreux artistes et artisans. Nous avons déjà été amenés à travailler avec certains d’entre eux dans le cadre de nos fonctions précédentes ou dans le cadre de la partie studio de Sinople.

On a effectué un travail de sélection dans leurs travaux pour que chacun des projets présentés relève, d’une manière ou d’une autre, d’une interprétation de la notion de paysage de façon visuelle.

Avec certaines personnes – comme avec l’Atelier Polyhedre – vous avez passé des commandes personnalisées plutôt que de sélectionner dans leurs œuvres existantes, qu’est-ce qui a motivé cette envie ?
L’idée de la commande est venue d’une envie de s’exprimer chez Sinople. Quand on a créé cette société c’est parce que l’un et l’autre étaient bercés depuis quelques années déjà dans un secteur qui portait un message autour de la création artistique contemporaine, qui est celle d’une interdisciplinarité entre les arts, le design et les métiers d’art. On était porteur de ce message mais on avait une seule envie réelle qui était d’être au cœur de l’atelier. La commande est une façon pour nous d’être un acteur de ces rencontres créatives qui donnent naissance à des projets.
Avec l’Atelier Polyhedre, on a senti qu’il y avait des croisements possibles. Il y a un énorme rapport entre nature et architecture dans notre exposition et ce lien est très fort chez eux. Il n’était pas forcément question de commande à l’origine mais on a finalement établi une relation plus profonde avec eux. Ils nous ont tout de suite parlé du Japon car ils ont été en résidence à la Villa Kujoyama* et ils nous ont proposé des pistes. De notre côté, nous leur avons expliqué la façon dont on voulait monter l’exposition. De là sont venues deux propositions d’ « ensembles vases » auxquelles on a adhéré immédiatement.

Il y a d’autres sortes de commandes comme avec l’architecte Hugo Haas, qui a pensé avec nous la scénographie de l’espace d’exposition, et l’Atelier Chatersen. Arnaud Mainardi (Atelier Chatersen) a une technique très traditionnelle de transformation des branches de châtaigner en mobilier. C’est un métier en voie de modernisation. Nous lui avons fait rencontrer Hugo Haas en partant du principe qu’on voulait mettre au point des éléments de mobilier d’exposition qui ne seraient pas jetés. Ils ont accepté le défi. On a suivi le projet et ça a donné naissance à une table de travail, qui est éditée par Sinople et qui sera proposée à la vente.

Vous présentez comme une œuvre à part entière un parfum de Aoiro, un studio de design olfactif. Pouvez-vous nous en dire plus sur ce parfum ?
Le parfum que nous présentons fait partie de leur gamme Hakudo, inspirée du Kōdō, une cérémonie traditionnelle japonaise d’appréciation du parfum. Il s’agit d’une senteur qui évoque un paysage. Quand nous avons eu Hakudo en main ça a été une évidence pour nous, ça pouvait être l’identité olfactive de l’exposition. C’était un territoire imaginaire qui nous plaisait beaucoup et les senteurs correspondaient en tous points au projet global et pouvaient être associées également à chacune des œuvres de l’exposition. On aimerait dans le futur aller plus loin avec Aoiro, mais développer un parfum s’inscrit sur un temps très long.
On nous fait souvent la remarque de cette curiosité que l’on peut représenter pour certains en n’hésitant pas une minute à associer ce que les gens classeraient dans l’art contemporain à des objets fonctionnels et à d’autres formes de pratiques, sans aucune hiérarchie. Le parfum incarne ça. Quelles que soient la pratique et l’œuvre produite, en fin de compte, les personnes que l’on expose sont toutes parties, à un moment, d’une représentation du paysage que leur imaginaire a complètement absorbée, transformée et retranscrite en un objet, une œuvre, une odeur pour susciter chez quelqu’un la sensation d’une beauté esthétique immédiate.

Zoom sur quelques artistes de l’exposition « Paysage intérieur » :

Sylvain Rieu-Piquet 
« Sylvain a une formation de designer mais il a d’abord une pratique du dessin. Cette pratique du dessin est chez lui très obsessionnelle, très méticuleuse, et à la fois un peu exubérante avec un dessin extrêmement dense qui relève presque parfois de la performance ou de l’écriture automatique.
Son lien à la matière est très instinctif et il y a à peu près deux ans il s’est mis à la céramique. Dans sa pratique, il part d’un bloc de terre et développe une forme très organique qu’il va par la suite entièrement graver. De cette façon, il  transpose sa pratique du dessin sur la forme, jusqu’à la couvrir complètement. Ensuite il y a tout un travail de l’émail. La pièce que nous exposons a la particularité d’associer les émaux à de la poudre de métaux. Comme il n’a pas de formation de céramiste, il est très libre et n’hésite pas à prendre des risques assez spectaculaires sur la cuisson, la taille des pièces ou les émaux justement… »

Léa Barbazanges
« Le principe des œuvres de Léa Barbazanges est de réaliser des assemblages pour révéler la beauté naturelle d’éléments qu’elle va glaner dans la nature. C’est ce qu’elle appelle le ‘graphisme naturel’. Nous présentons chez Sinople deux types de travaux :
Le premier est un travail autour de la fougère pour lequel elle a collaboré avec un artisan carrossier d’art qui restaure des véhicules de collection. Ils ont mis au point une technique qui permet de réaliser une sorte d’empreinte fossile de la fougère dans de l’aluminium. L’idée est de rendre compte du graphisme de cette fougère. Le fait de la ‘fossiliser’ ramène à une pratique du dessin et permet ainsi de voir le moindre détail de la fougère, que ce soit dans la symétrie, les nervures, les spores… Ce sont vraiment des fossiles contemporains. Ces fougères sont une exclusivité à Sinople.
Nous allons aussi exposer des cristaux qu’elle développe sur des plaques de verre. Il y a deux variétés de cristaux : ceux qui laissent passer la lumière et ceux qui la réfléchissent. Dans les deux cas, il s’agit de révéler le graphisme naturel des phénomènes de calcification de l’eau qui donnent des agglomérats de cristaux qui vont s’organiser de manière physique pour créer des motifs et de la matière. Le résultat s’apparente presque à de la plume ou de la fourrure, c’est en cela un travail assez troublant. »

Marion Chopineau
« À l’origine Marion est designer textile, elle travaille avec de grandes maisons de couture, ce qui l’a amenée à une technique qu’elle développe aujourd’hui à des fins plus artistiques à savoir de la sculpture sur peau. Toutes les œuvres qui naissent de cette technique sont travaillées sur des peaux qui viennent de Mongolie car là-bas chaque famille possède une horde de chevaux élevés à l’état sauvage. À l’entrée de l’hiver, certains chevaux sont mangés de façon rituelle ce qui représente une certaine quantité de peaux à l’échelle de la Mongolie. Or, celles-ci ne sont plus transformées alors qu’avant, naturellement, elles étaient transformées et tannées. Aujourd’hui, c’est devenu un rebus alimentaire. Marion avec sa technique de sculpture sur peau va venir sculpter un paysage qui raconte ce lien entre l’homme, la nature et l’animal en Mongolie. Cela donne lieu à la série ‘Nomade’. Les motifs représentent des paysages, ou des motifs plus animaux comme la plume par exemple. Elle retranscrit sa propre intériorisation du paysage sur l’un des premiers supports sur lequel l’homme pouvait s’exprimer. Ses motifs sont très proches de l’art pariétal, il y a quelque chose de très archaïque dans ses dessins. »

Martine Rey
« Martine Rey a été résidente à la Villa Kujoyama. C’est une dame qui a appris la laque Urushi – la laque traditionnelle végétale japonaise – lorsqu’elle étudiait les beaux-arts à Kyoto. C’est vraiment quelqu’un qui se démarque dans sa pratique car elle n’a pas du tout employé la laque à des fins décoratives. Très vite, elle est entrée dans une pratique plus expérimentale et artistique où elle venait par exemple recouvrir de laque des morceaux de bois qu’elle glanait dans la forêt et qui portaient les stigmates des vers qui les avaient rongés. Elle a aussi fait une performance à la Villa Kujoyama où elle venait laquer des arbres qui avaient été coupés. La laque n’est pas là pour embellir l’objet mais vient plutôt accentuer un détail et raconter la vie de cet objet là. Il y a deux ans, elle a voulu expérimenter une nouvelle technique en venant déposer de la laque sur de l’eau pour générer un motif naturel de l’ordre des fractales. Cette technique s’inspire d’une autre technique japonaise d’impression qui s’appelle le ‘Suminagashi’ ; il s’agit de déposer de l’encre sur de l’eau, l’encre flotte, on dessine un motif sur l’eau et en posant une feuille de papier sur l’eau, le motif va s’y imprimer. Martine a développé une technique qui s’appelle ‘Urushinagashi’ – qui est le mélange de la laque et de la technique du ‘Suminagashi’ – pour imprimer ce qui est présenté chez Sinople, c’est-à-dire des motifs présentés sur un espace circulaire, qu’elle a appelés ‘cosmographie’. Dans toutes ces variations de motifs on va retrouver différents paysages qui peuvent être une interprétation du cosmos. Au Japon son travail est très reconnu, jamais aucun laqueur japonais n’a eu l’audace d’utiliser la laque de cette façon. »

* La Villa Kujoyama est un établissement artistique français, situé sur le mont Higashi à Kyoto et destiné à l’accueil en résidence d’artistes et de créateurs français.

« Paysage intérieur » – Réouverture le 28 novembre, jusqu’au 30 décembre.
21-23 rue des Filles du Calvaire
75003 Paris
(fond de cour gauche)

Du lundi au vendredi : 9H30 à 20H30
Samedi : 10H à 20H
Dimanche  : 11H à 19H
Samedi & dimanche : demander le code d’accès à contact@sinople.paris

www.sinople.paris
instagram.com/sinople.paris
catalogue d’exposition 

Nous avons posé quelques questions à Amélie du Chalard, fondatrice de la Maison d’Art Amélie, une galerie parisienne dont le concept repose sur une mise en scène des œuvres dans un espace pensé comme un appartement. L’idée est de créer un contexte chaleureux pour que les collectionneurs parviennent à se projeter dans leur propres espaces de vie. 

Comment vous est venue l’idée de la « Maison d’Art » ?
Le concept de « Maison d’Art » est né assez naturellement en voyant mes invités intéressés et attirés par les œuvres accrochées chez moi, dans un contexte domestique chaleureux et familier.

Quels sont les grands partis-pris d’exposition ?
L’ADN de la galerie est l’abstraction contemporaine. Notre rapport à la matière dans la sélection est particulièrement marqué comme en témoignent les travaux de Pola Carmen, Abigail Booth ou Christian Grelier par exemple. Par ailleurs, nous réunissons à la fois des jeunes talents et des artistes établis. C’est ce mélange qui nous plaît et nous anime.

Vos envies ont-elles évolué avec le temps ou y a-t-il une forme de constance dans ce que vous souhaitez mettre en lumière ?
Il y a une constance voulue dans l’ADN global de la galerie – que toutes les œuvres trouvent leur place et se répondent est essentiel. Nos envies d’évolution sont plutôt dans les projets que nous avons, pour nos artistes et pour nous. Notre collaboration avec le Conran Shop (Installation au Conran Shop d’œuvres et d’objets d’art réalisés par des artistes représentés par Amélie Maison d’Art, ndlr) en est un exemple.

Disposez-vous d’autres leviers – en dehors de la mise en scène – pour créer du lien entre une œuvre (ou l’art en général) et un collectionneur ?
Oui, nous accompagnons le collectionneur dans son choix également par des simulations graphiques sur ses murs ainsi que par la gestion des accrochages chez eux avec notre équipe de régisseurs. Nous organisons aussi des événements confidentiels avec des petits groupes de collectionneurs soit dans l’Art Room (soirée « Apprendre à voir ») soit dans des Musées (découverte d’une exposition), accompagnés de Pierre Wat, un historien d’art remarquable.

L’abstraction contemporaine vous semble-t-elle être une porte d’accès à l’ensemble de l’art ?
Je ne suis pas sûre… L’art abstrait est l’expression la plus forte de la liberté d’un artiste qui va créer son propre langage pictural et c’est ce que je trouve formidable ! L’abstraction est donc sans limite d’interprétation. La figuration reproduit une réalité donc pour un non-initié elle est sans doute plus facile d’accès au départ. 

Avez-vous d’autres activités directement ou indirectement liées à la Maison d’art ?
Nous avons un pôle dédié aux architectes et décorateurs que nous accompagnons dans la curation artistique de leurs projets (hôtels, bureaux, etc.)
Nous avons aussi lancé nos Maisons de Collectionneurs, Ambroise (@ambroise_collection) en juin dernier : des beaux appartements (Saint Germain et Marais) à la croisée entre l’hôtellerie de prestige et chez soi, à louer le temps souhaité où tout est à vendre. Les espaces sont habillés d’œuvres d’art, d’objets rares et de mobilier d’exception.

Qu’est-ce qui vous satisfait le plus dans votre travail ?
La rencontre avec des artistes d’un côté et des collectionneurs de l’autre, puis l’idée de réunir deux sensibilités qui ne se connaissent pas. C’est vraiment une très grande satisfaction de bien accompagner un client dans son choix d’œuvre et d’accompagner un artiste dans son parcours, l’évolution de son travail et ses projets.

Avez-vous envie de vous diriger vers de nouvelles choses ?
De nombreuses nouvelles choses ! Nous souhaitons continuer de développer nos Maisons de Collectionneurs. Nous sommes aussi très heureux de lancer un pôle Mécénat, avec un beau projet avec Necker.

Amélie Maison d’Art – 8, rue Clauzel 75009 Paris
amelie-paris.com
instagram.com/ameliemaisondart
ambroise-collection.com

Il vit le quotidien comme un terrain de jeu. Jonathan LLense capture l’improbable dans le banal et en fait le théâtre de ses mises en scène. Suivant son instinct, il contourne les conventions et chine l’inspiration partout autour de lui.

« Comment je peux faire de la photographie, là, maintenant ? Au coin de la rue ? ». Né à Lille et aujourd’hui basé à Paris, Jonathan LLense a suivi des études aux beaux-arts de Valenciennes puis à l’École Nationale supérieure de la photographie à Arles, où il a été diplômé en 2013. Un apprentissage académique, calibré, qu’il a su mettre au service de son intuition, s’affranchissant ensuite des conventions pures et dures de la photographie. Impromptus, décalés, les clichés de Jonathan LLense ont cette légèreté déconcertante qui prête à sourire avec complicité.

« Il faut ouvrir le robinet »
Alors qu’il expose à Arles dans le cadre de ses études, Jonathan LLense accroche sur tout un pan de mur une myriade de photographies, mais il est finalement contraint de devoir réduire sa sélection. À l’image de sa démarche artistique, il veut montrer autant que possible alors que la norme lui impose de choisir. Pourquoi se restreindre quand on peut continuer « d’ouvrir le robinet »,  comme il le décrit avec image ? Le robinet à idées, à digressions, c’est celui qui s’auto alimente à mesure qu’il s’écoule.

Son travail n’est pas dicté par un thème en particulier ou une série pensée au préalable. C’est sur l’instant que sa décision est prise, selon l’envie. « Ce qui m’intéresse c’est l’expérience que je ressens. Parfois, il ne se passe rien », nous dit-il. Une manière de créer qui se concrétise au fil de ses promenades routinières, source d’inspiration inépuisable et constamment mouvante. La ville l’inspire. Paris et New York font pourtant exception, elles ont déjà été trop sous les feux des projecteurs pour avoir aujourd’hui encore des découvertes à nous livrer d’après l’artiste.

Selon l’environnement qui l’entoure, Jonathan LLense va puiser dans les éléments du décor pour en faire les protagonistes de ses photographies. « Tout devient inspiration » comme il l’explique. Un bricolage visuel et manuel où il compose des arrangements particuliers, parfois étranges, des associations d’idées pour faire jaillir de nouvelles perceptions. Pour lui « l’idée c’est d’avoir une cohérence de regard », de parvenir à retranscrire son point de vue à travers ses choix de mise en scène, d’angle ou de cadrage.

Ensemble on va plus loin
Les commandes font désormais partie intégrante de son travail. Depuis deux ans, il se prête à ce nouvel exercice qui lui impose de revenir à certaines contraintes, lui permet de sortir de son système habituel tout en y accolant son univers. Une démarche qu’il a pu amorcer avec sérénité grâce à son agent, David Bault (TheLink Mgmt). À l’époque membre du jury de Jonathan LLense lors d’une résidence à la suite d’Arles, celui-ci le repère et le recontacte plusieurs années après pour le représenter avec sa nouvelle agence. « C’est ça qui a fait la différence avec les années, savoir bien s’entourer. J’ai besoin de m’entourer. Le fait qu’on soit proche est important » confie l’artiste sur sa relation avec son agent. Pour la suite de sa carrière, le but est ainsi de monter en gamme, de travailler pour des marques toujours plus prestigieuses, plus vues, alternant entre la commande et le travail personnel, et continuant chaque fois qu’il le pourra, d’ouvrir le robinet.

jonathanllense.com
instagram.com/jonathanllense/
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Le plasticien explore depuis ses débuts les capacités de la matière, notamment le verre soufflé – matériau emblématique de sa pratique –, pour réaliser des sculptures poétiques qui reposent sur la répétition d’éléments modulaires comme les briques ou les perles.

Une aquarelle jaune vif, ressortie récemment des archives de Jean-Michel Othoniel s’impose comme une forme providentielle. L’enveloppe irrégulière de ce parallélépipède peint en 1990 est à lire tout à la fois comme l’unité d’un tout et comme une forme universelle. Cette brique de soufre est le module, l’essence de ses réalisations. Elle est la pierre angulaire d’assemblages, de combinaisons, d’agencements de soufre, de verre, de métal, de cire ou d’or. Elle est à l’origine d’un procédé systématisé par l’artiste, déjà lisible dans cette planche d’esquisse, où la brique est le fragment d’un pan de mur, d’un parapet en construction.

Ce métalloïde découvert par l’artiste dans les années 1980 est prophétique. Il est à l’origine de ses expérimentations formelles, de ses préoccupations artistiques, comme de ses exploitations de modules. Sa quête du soufre dans les îles Eoliennes au nord de la Sicile, le conduit en effet vers la découverte de l’obsidienne de Lipari. Séduit par le pouvoir de métamorphose de cette roche noire née de la vitrification de la lave volcanique, il entame des recherches plastiques pour la récréer artificiellement. Pour retranscrire sa texture tout à la fois opaque et translucide, tout comme son éclat vitreux, il entre en relation avec Saint-Gobain Recherche. De cette rencontre, dans le sillage de sa formation à l’École des Beaux-Arts de Cergy-Pontoise, se déploient deux années d’expérimentations jusqu’à ce que l’obsidienne renaisse en laboratoire.

Les propriétés des matériaux deviennent dès lors l’occasion d’expérimenter par la rencontre d’un savoir-faire artisanal, de connaissances scientifiques et de projets de plus en plus monumentaux, le potentiel de métamorphose du verre, du métal ou de la cire. Par le feu, l’air et la chaleur, chaque pièce est soufflée, taillée, modelée pour donner forme aux obsessions de l’artiste. Une géographie sensible se dessine, se précise en une ode à la matière. Entouré d’une équipe dans son atelier de la rue de la Perle à Paris et d’une soixantaine de maîtres verriers du Mexique au Japon en passant par l’Inde, l’artiste explore à toutes les échelles le verre et ses possibles. En émanent ses récurrentes perles creuses montées en colliers à travers le monde, comme sur un fil d’Ariane, du kiosque des noctambules de Paris au musée national du Qatar.

Ses perles de verre, telles des boules de cristal, des Oracles pour reprendre l’intitulé de son exposition à la Galerie Perrotin en 2019, le conduisent vers une nouvelle métamorphose pour le moins signifiante. Comme une prédiction, voire une prémonition Jean-Michel Othoniel revient à la brique dessinée sur le papier trente ans auparavant. La brique de soufre se mue en une brique de verre irisée ou d’acier. Son miroitement délicat résonne avec celui de l’eau, de la vague, comme avec celui du feu. Elles font écho aux briques entassées en murets le long des routes indiennes, accumulées par les habitants jusqu’à ce qu’ils puissent bâtir une maison. Surtout elles témoignent de préoccupations universelles. Par une nouvelle variation d’échelle, la renaissance de ce parallélépipède ancien, donne vie à un nouveau corpus d’œuvres entre feu et eau. Telle une ode à la matière elle se joue de métamorphoses, de sublimations et de transmutations, non sans résonances avec les mutations liées à l’anthropocène.

Le dessin prend une place importante dans votre processus de création. Pourriez-vous nous dévoiler vos secrets de réalisation et la place que vous lui accordez dans votre pratique actuelle…
Le dessin est à la base de mon travail. Il est le départ de toute œuvre. Il intervient dans une pratique exploratoire, comme une sorte de journal, où je travaille les couleurs, les formes de chaque œuvre sous forme d’aquarelle ou de graphique. Pour autant mes dessins n’ont été montrés qu’une seule fois à la Galerie Perrotin. J’en conserve les recherches, les archives.

À l’occasion des 30 ans de la Pyramide du Musée du Louvre vous avez réalisé en écho avec « Le Mariage par procuration de Marie de Médicis et d’Henri IV » (1621-1625) des peintures à l’encre sur feuilles d’or (« La Rose du Louvre », 2019). Comment avez-vous envisagé le dialogue de vos perles avec les statuaires des 17^ème et 18^ème siècles de la cour Puget, comme avec ce chef-d’œuvre de Rubens ?
Invité par Jean-Luc Martinez, en hommage aux trente ans de la Pyramide, j’ai proposé un parcours à la recherche de la symbolique des fleurs autour des œuvres qui me touchaient le plus. J’ai en effet un rapport très personnel avec le Louvre puisqu’il y a trente ans, j’en étais l’un des gardiens. Raconter cette histoire à travers les œuvres du musée m’a donc paru indispensable. Le placement des œuvres s’est fait quant à lui de manière presque fortuite. Les six niches vides derrière les sculptures répondent à mes peintures à l’encre sur feuilles d’or blanc. Plus encore, elles évoquent les grottes ou les arrière-plans aux surfaces réfléchissantes, en nacre, en coquillage, qui créaient au 17^ème et 18^ème siècle un environnement aux sculptures. Elles résonnent également avec les sculptures qui parlent elles aussi, par la thématique des saisons, de la symbolique des fleurs.

« The Big Wave », votre vague monumentale de 25 tonnes, de 6,5 mètres de haut et de 15 mètres de large, conçue à partir de 20 000 briques aux reflets d’encre menace d’engloutir le spectateur. Par ce bleu abyssal et ce risque potentiel, attirez-vous notre attention sur les enjeux écologiques du monde contemporain ?
En tant qu’artiste nous sommes comme des plaques photosensibles, des éponges. Nous sommes tous hypersensibles au changement du monde, à ses frayeurs ou beautés. Nous absorbons l’époque et nous avons même parfois des visions. Le pouvoir visionnaire de l’artiste lui permet de saisir intuitivement des choses importantes dans la société, dans le monde. Je ne dirais pas que le propos écologique est présent dans cette vague – elle n’est pas née d’un tel désir – pourtant elle fait écho aux dessins réalisés au Japon lors du tsunami. Cette idée a infusé dans mon travail et est ressortie comme une urgence. Quand je me suis lancé dans cette folie, dans ce projet entièrement conçu et monté moi-même – dans la logistique comme dans le financement –, une première version a été réalisée à Sète, une seconde définitive a ensuite été montée à Saint-Étienne. Elle est à présent exposée dans l’atelier à Montreuil. Déménager l’atelier est devenu en ce sens une nécessité. Il est nécessaire de vivre les œuvres, de les regarder afin de faire naître d’autres œuvres. Je rêve en effet de construire autour de la vague car je crois que les œuvres engendrent d’autres œuvres.

Vous convoquez également la photographie « La Grande Vague » (1857) de Gustave Le Gray. Cette référence est d’autant plus évidente que vous avez exposé « The Big Wave » au Centre Régional d’Art Contemporain de Sète en 2017. Dites-nous en plus sur votre affinité avec cette marine, avec la photographie…
À mes débuts je m’inspirais beaucoup de photographies anciennes, de ces apparitions qui m’émeuvent encore beaucoup aujourd’hui, comme l’aura d’une main, la face d’une fleur sur le papier photosensible… D’ailleurs ma première exposition était en lien avec la photographie ancienne, composée d’œuvres en gélatine photosensible dont je puisais le côté chimique et alchimique encore présent dans mes œuvres. « The Big Wave » est en ce sens un hommage à Gustave Le Gray.

Le risque de la désillusion semble dans votre démarche éminemment latent, comme dissimulé sous la beauté poétique de vos univers. Ce second niveau de lecture a toujours été présent dans vos œuvres depuis votre brique de soufre. Pourriez-vous nous en dire plus ?
L’œuvre offre un remède au risque de la désillusion, elle offre des réponses à la désillusion du monde. Pour autant l’idée du réenchantement part forcement d’une image de la fracture ou de la catastrophe. Elle permet de penser comment reconstruire et proposer une œuvre qui vient répondre à ce manque, à ce vide afin de penser le monde de manière positive.

Élu en novembre 2018 à l’Académie des Beaux-Arts, représenté par la Galerie Perrotin, vous venez également de publier une monographie chez Phaidon. Que pouvons-nous vous souhaiter de plus providentiel pour l’avenir ?
À travers le grand atelier de Montreuil – appelé la Solfatara en regard du lieu où les pythies se réunissaient pour lire l’avenir sur les vapeurs de soufre – l’idée est de travailler avec des artisans, des danseurs, des gens de théâtre, de littérature ou de l’art thérapie. Elle est d’activer une ouverture, de réactiver le groupe qui aujourd’hui travaille pour moi, dans l’objectif de créer de manière différente, de manière plus ouverte sur le monde et surtout de façon plus active socialement.

Du 16 septembre au 24 octobre la Galerie Perrotin présentera vos œuvres à Tokyo lors d’une exposition personnelle intitulée « Dream Road ». Donnez-nous l’envie de réserver nos billets d’avion pour découvrir vos pièces sur les terres du soleil couchant…
« Dream Road » est inspirée du chrysanthème, fleur impériale, solaire, très liée à la poésie japonaise. Il sera le motif de trois peintures et d’une dizaine de sculptures, comme il influencera toute l’exposition. L’exposition sera inspirée dans sa forme des expositions florales qui ont lieu chaque année au Japon. Je me suis inspiré de cette mise en scène très mathématique, liée aux formes et aux couleurs, pour obtenir un rendu tout à la fois précis et délicat, où les fleurs seront transformées en sculptures.

Le contexte actuel est particulièrement contraignant pour le monde, comme pour la création. Comment allez-vous continuer à produire durant cette période tourmentée ?
Dans l’art contemporain nous sommes des nomades, et cela est altéré par la situation actuelle. J’ai en effet construit ma carrière avec cette idée de voyage, de rencontre. La situation actuelle est donc très contraignante. L’agrandissement de l’atelier à Montreuil va me permettre de travailler dans l’attente sur mes archives, sur toutes ces images ramenées de voyage…

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