Au printemps, sera dévoilée à l’Abbaye royale de Fontevraud la cloche réalisée par l’artiste Paul Cox. Ce sera la quatrième de ce programme audacieux mêlant art campanaire et contemporain.

On dit souvent d’un artiste – par paresse – qu’il est « inclassable ». À bien y réfléchir, s’il est un peu facile, le qualificatif vaut pourtant pour Paul Cox, graphiste et artiste plasticien atypique dont le travail est reconnu dans bien des domaines. Parallèlement à la peinture, il produit en effet des livres pour les enfants, des affiches, des illustrations de presse, des logos, et beaucoup d’autres objets qui ont à voir avec le design. Il est aussi le concepteur de scénographies d’exposition, de projets de communication culturelle ou encore de décors et costumes pour l’opéra (Paris, Genève, Nancy…). Cet autodidacte, formé en histoire de l’art et en littérature anglaise, utilise les images qu’il crée comme des mots, développant des dispositifs d’apparence simples mais dont la sophistication se révèle au fil de leur accumulation. Ainsi se construit un langage graphique singulier, figuratif et coloré, empreint de poésie et de symbolisme. Et l’on devine ici l’attachement qui le relie consciemment, par sa production dans ce domaine, et sans doute inconsciemment, au monde de l’enfance, à celui du jeu, de l’agencement permanent des choses, de l’imaginaire fertile et sans limites.

La construction de ses images est bien plus complexe qu’il n’y paraît. L’artiste lit, se documente, dessine, crayonne, reprend, avant que ne surgisse la forme finale. Des dizaines d’esquisses précèdent ici l’œuvre qui sera révélée. Celui qui dit percevoir le monde comme « un vaste collage, une collection de jeux de construction », procède souvent de la sorte. Chaque dessin / objet est alors découpé, manipulé, posé, repris avant d’être collé. Paul Cox joue des superpositions, change de cadre, d’angle, et compose tel un musicien une partition d’images justes et signifiantes. En cela, tout en recherchant cette « justesse », il cède volontiers à l’accident, à l’heureux hasard et à l’improvisation. Il y a dans son œuvre une dimension légère, presque enfantine, où affleure l’humour et la poésie, sans que le sens, et une certaine gravité, ne s’en détachent. C’est là tout l’art de Paul Cox, un artiste capable avec la même cohérence de réaliser les affiches de plusieurs théâtres et des livres pour enfants, de concevoir un mobilier-jeu pour le Centre Pompidou ou les décors du chorégraphe Benjamin Millepied.

C’est en 2006 qu’il crée un jeu de piste spécialement conçu pour l’Abbaye royale de Fontevraud, non loin de Saumur (Maine-et-Loire). Utilisant des détails de l’architecture, il inaugure ainsi une collection originale de carnets de visite d’artistes que viendront nourrir ensuite des collaborations avec Ange Leccia, François Place, Kveta Pacovska… Il y est revenu en 2013 pour une exposition, « Paysage », qui mettait en relief une autre dimension importante de sa recherche en dessin et en peinture, son rapport à la nature, aux forêts, au cycle des saisons. Un lien ténu l’associe à cette abbaye fondée au XIIe siècle par Robert d’Arbrissel, qui abrite les gisants d’Aliénor d’Aquitaine et de son fils Richard Cœur de Lion, qui fut une prison – Jean Genet y fut incarcéré – et est devenue un centre culturel de rencontres.

Lorsqu ’ Emmanuel Morin, le directeur artistique de l’Abbaye royale, lui propose de réaliser une cloche, la quatrième du programme campanaire qu’il porte, Paul Cox lui répond « oui, sans hésiter, sans connaître non plus la complexité technique d’un tel projet ». Il imagine alors une spirale se déroulant sur sept niveaux pour y porter un récit en images, « à l’image de la colonne de Trajan ou de la tapisserie de Bayeux ». Sur le projet final, on découvre donc un double mouvement en spirales ascendantes s’entrelaçant jusqu’au somment du cône. Les personnages et figures viennent d’être réalisés en cire et reportés sur ce qui deviendra le moule en négatif de la future cloche. « J’ai pensé à ce mouvement ascendant pour matérialiser l’élévation spirituelle propre à la vie monastique », souligne Paul Cox, encore émerveillé par la semaine qu’il vient de passer, les mains dans la cire, au sein de la fonderie de cloches Cornille Havard, à Villedieu-les-Poêles (Manche). On retrouve dans cette procession de figures des éléments de l’architecture de l’abbaye, l’évocation de la vie agricole qui l’entourait mais aussi plusieurs références à la vie de l’abbesse dont le nom sera attribué à cette nouvelle cloche : Gabrielle de Rochechouart. « Une femme remarquable, la sœur de Madame de Montespan, très lettrée pour son temps, omniprésente à la cour de Louis XIV et dans ses intrigues. Elle était aussi polyglotte, c’est pourquoi j’ai apposé dans le cheminement de la spirale une Tour de Babel », explique l’artiste. D’autres symboles figureront sur la cloche, « pour témoigner par exemple, de ce qui peut faire obstacle à l’élévation ». Pour ce projet, Paul Cox entend « faire cohabiter la vie spirituelle et la vie séculière, les grandes lignes du paysage de cette région (les forêts, la vigne…), quelques éléments sculptés de l’art roman, mais aussi ces figures populaires, cocasses et naïves que l’on retrouve parfois sur les chapiteaux des églises ». Le Roi Soleil est ainsi présent sur la frise avec, à ses côtés… un cochon. Dans cet imagier, tout fait symbole, même le mouvement en spirale qui évoque une portée musicale. Chaque figure a été réalisée séparément par Paul Cox, puis apposée sur le futur moule à la manière d’un bas-relief. « Tout est à plat, en légère élévation de deux millimètres par rapport au corps de la cloche, comme contre-découpé. » Au-delà de cette faible épaisseur, il n’aurait plus été possible d’accorder la cloche dans de bonnes conditions. « Il y a dans cette découpe et cette pose, un côté ‘un peu mal fait’ qui me plait bien, des jointures imparfaites qui rendent l’ensemble plus vivant, s’amuse Paul Cox. J’ai appris le travail de la cire, et je dois dire que cela m’a passionné. » Il reste encore quelques semaines à patienter avant de voir le résultat final de ce travail.

« Un projet d’artistes pour raconter autrement le patrimoine »
Emmanuel Morin, Directeur artistique de L’Abbaye royale de Fontevraud

Voici cinq ans, Emmanuel Morin, le directeur artistique de l’Abbaye royale de Fontevraud, s’est vu proposer un défi par ses partenaires de la Région des Pays de la Loire. Il devait faire feu de tout bois pour proposer « une autre manière, plus patrimoniale, de raconter le monument ». La tâche est passionnante, mais complexe. L’histoire de l’abbaye est riche, l’ensemble architectural est très vaste, témoignant de plusieurs époques de construction, il peut y faire froid… « Ma première intuition a été de me dire que nous devions absolument confier le soin de ce nouveau récit à des artistes d’aujourd’hui. C’était une évidence » se souvient celui qui, à travers des expositions, performances et spectacles, confère une âme à ce lieu de vie et de culture. Il imagine alors « la chambre des cloches », dans laquelle il entend réinterroger l’histoire d’une abbaye où plus aucune cloche n’a résonné depuis la Révolution française. Une première cloche voit le jour en 2019, une commande artistique passée à Nicolas Barreau et Jules Charbonnet. Les deux designers et plasticiens nantais collaborent régulièrement avec l’abbaye, ils imaginent dans le même temps un dispositif permettant sa mise en scène visuelle et sonore dans le parc. Le succès est immédiat, le public se passionne pour cette cloche accessible à tous dans l’aire qui lui est réservée, derrière le chœur de l’église abbatiale. Trois autres cloches, confiées à des artistes, ont été depuis réalisées. Pour chacune d’elle, le directeur artistique fait le choix « d’un ou d’une artiste qui a un lien fort avec Fontevraud, avec le souci de varier les talents et les expressions plastiques ». Éclairant sa volonté de faire appel à Paul Cox, il ajoute : « J’aime la fraîcheur du trait de Paul Cox et l’intelligence qu’il a face au sujet. Paul développe un propos intellectuel toujours très dense ».

« Certains visiteurs reviennent chaque année, d’autres vont même sur le site de la fonderie, en Normandie. Et l’on commence à me solliciter d’un peu partout en France et en Europe car ce programme de six cloches commandées à des artistes par un monument public est absolument unique. » À terme, les six cloches qui ne pourront pas être installées dans le clocher du XIIIe siècle de l’Abbaye royale, trop fragile, le seront « dans une chambre des cloches imaginée ad hoc, pour que l’on puisse les voir et les entendre ». Des sonneries à certains moments de la journée, des concerts de cloches, des commandes passées à des compositeurs, plusieurs pistes sont sur la table. Pour l’heure, au printemps prochain, c’est la cloche réalisée par Paul Cox, et qui pèsera au bas mot 1,2 tonne, qui rejoindra sur les pelouses de Fontevraud celles de Nicolas Barreau et Jules Charbonnet, François Réau et Makiko Furuichi.

Abbaye Royale de Fontevraud
49590 Fontevraud-l’Abbaye
fontevraud.fr
instagram.com/fontevraud

Process démarre ici un compagnonnage complice avec le podcast « Écoutez voir » de la journaliste spécialiste de la photo Brigitte Patient, produit par WAVE.AUDIO. Dans l’épisode 5, Brigitte Patient rencontre Corinne Mercadier. L’idée de ce compagnonnage : qu’en voyant ces images, vous écoutiez leur échange, et inversement.

Retrouvez l’interview de Corinne Mercadier par Brigitte Patient dans l’épisode 5 de son podcast « Écoutez voir », disponible ici.

Depuis les débuts de sa pratique artistique, dans les années 80, Corinne Mercadier développe une œuvre expérimentale unique, croisant la photo, le dessin, la peinture sur verre, le travail en volume, la mise en scène. Qu’elle ait recours à l’argentique ou au numérique – qu’elle privilégiera à partir de 2008 –, elle fait montre d’un imaginaire extrêmement fertile et d’une capacité à repenser les contours de son médium de prédilection, la photographie. Corinne Mercadier fait se côtoyer réel et fiction pour nous proposer des scènes relevant d’une « autre réalité » – poétique.
Au cours de 40 ans de création, l’artiste est devenue une référence. Lauréate du Prix de Photographie de la Fondation des Treilles en 2018, finaliste du Prix de l’Académie des Beaux-Arts Marc Ladreit de La Charrière en 2013, son travail a fait l’objet de nombreuses expositions personnelles dont la dernière en date à la galerie Binome, qui la représente.
On peut aussi trouver ses œuvres dans les collections du Musée de l’Élysée, à La Maison Européenne de la Photographie, ou encore à la Bibliothèque Nationale.

corinnemercadier.com
brigittepatient.com/ecoutez-voir
galeriebinome.com
www.wave.audio

Brigitte Patient, c’est d’abord une voix. Une voix chaude, assez basse, qui dès les premières paroles pose un climat, de calme et d’ouverture. Ici, on va prendre le temps. Un temps curieux et gourmand. Depuis plus de 30 ans, elle se livre à un pas de deux avec la photo, une danse légère qui la porte, dans un aller et retour constant, de valeurs sures en découvertes, d’étonnements en admiration. Au fil de son voyage, la visiteuse curieuse des premiers temps s’est peu à peu muée en guide avisée d’un petit monde qui, comme tous les autres, a ses personnalités, ses moments, ses usages… Au fil de ses émissions, elle s’en est peu à peu fait l’interprète, la passeuse, et patiemment, elle a trouvé sa place en tissant des liens entre le public et lui.

C’est le parcours d’une gamine du Berry, qui s’ennuyait plutôt et qui, à la faveur de visites chez un cousin parisien, découvre, les yeux grands ouverts, le plaisir de se plonger dans le vertige culturel de la capitale. Parmi tous les champs qu’elle explore : l’image fixe et la magie de ses potentiels imaginaires, hors champs visuels et temporels. Ça restera.

Jeune femme elle devient institutrice, mais lorsqu’un de ses profs, dont elle découvrira bientôt qu’il est directeur d’une radio à Bourges, lui demande de faire des voix, elle est… assez séduite par ce qu’elle entend en s’écoutant, et, sent très vite que ça va être son truc. Elle mène de front pendant quelques années son travail d’institutrice et ses activités grandissantes à la radio pour finir par démissionner de l’éducation nationale et « monter à Paris ».
On est au début des années 80 et entre les remplacements qu’elle a l’occasion de faire, elle enrichit sa culture et alimente sa curiosité en fréquentant les galeries, qui curieusement, l’intimident moins que les musées. La photo a de plus en plus sa faveur, et ça ne va pas ralentir. Elle rejoint ensuite une radio suisse, station Couleur 3, dans laquelle elle fait vraiment ses armes avec, pour la première fois, un poste fixe, et en quatre ans, un vrai apprentissage. Elle la quittera quatre ans plus tard (1990) pour revenir à Paris et, d’abord testée sur la grille d’été, elle est finalement engagée à France Inter à la rentrée de la même année.

Elle animera et produira dans les années suivantes un assez grand nombre d’émissions, avec toujours, papillonnant dans sa tête, l’idée de faire quelque chose autour de l’image fixe. À partir du début des années 2000, elle propose chaque saison un projet d’émission autour de la photo qui finira par être accepté en… 2012. Elle aura fini par venir à bout du reproche récurrent qu’on opposait à son projet : « Ça n’a pas de sens de faire une émission sur l’image à la radio ! » On en fait bien sur le cinéma… Elle démontrera les années suivantes, au fil des différentes formes que prendra l’émission, que c’était possible. Et même carrément passionnant.

Regardez voir
« Regardez voir » c’était la seule émission sur la photo à la radio. Et pas n’importe laquelle. Avec une émission sur France Inter, c’était la photo dans un « grand média ».

Pour la première fois était donnée l’occasion de raconter au grand public ce qu’était la photo de notre temps. On y parlait de la photo envisagée en tant qu’art (une idée pas si installée que ça) qu’elle qu’en soit l’approche.
Les aspects techniques, sans être occultés, n’étaient envisagés que dans la mesure où ils jouaient un rôle particulier dans le projet évoqué. Quant à la mise en opposition de pratiques amateurs et de pratiques professionnelles – qu’on retrouvait beaucoup dans la presse spécialisée – elle était totalement absente sur ces ondes. Bref, une approche assez fraîche, plutôt en rupture avec l’idée de la photo dans les médias. « Regardez voir », c’était aussi le prestige de France Inter, la grande radio publique généraliste. Passer dans l’émission était un peu le Graal pour un photographe, une forme de validation à côté de celle du public, des institutions, du marché…

Enfin – surtout – « Regardez voir » était aussi une émission qui écoutait les photographes, qui leur donnait la parole. Curieuse de ce qu’ils avaient à dire, plastiquement, conceptuellement, poétiquement… Avec une vraie curiosité et l’envie de transmettre.

La voix de la photo
Au fil de toutes ces interviews et de ces rencontres, elle a progressivement acquis un statut particulier que personne d’autre ne semble avoir incarné de manière si nette : au terme d’environ 500 interviews, elle est un peu devenue « la voix » de la photo. Quand l’émission s’est arrêtée, des envies de pétitions se sont même faites jour. Elle a préféré les réfréner les jugeant vaines et contreproductives même si elle a été touchée au plus profond et assez sidérée en mesurant la place qu’elle avait prise dans ce petit milieu.

Aujourd’hui le paysage a changé et les grands médias nationaux ne dominent plus l’espace médiatique : il n’y a plus d’émission sur la photo dans un grand média mais les sites qui s’y intéressent directement ou indirectement se comptent en assez grand nombre, la presse papier chemine sur les voies parallèles que sont précarité et génération spontanée de titres indé. Les réseaux sociaux ont démultiplié la potentielle visibilité des photographes (ainsi que celle de leurs commentateurs) mais avec une telle puissance que leur nombre les maintient pour leur majorité dans une forme d’anonymat.
Enfin, les podcasts ont fait florès, avatars vertueux de la delinéarisation des médias autorisant le temps long et l’introspection, avec, sur le papier, un minimum de moyens nécessaires.

Dans le même temps, le réflexe du turn-over, corollaire d’un contexte dont les contours se floutent, a conduit France Inter à se séparer de Brigitte en 2019. Plutôt brutalement, ce qui n’est pas sans laisser de traces, ôtant ainsi au monde de la photo français son meilleur porte-voix.

Pourtant, quand on la rencontre, on est frappé par son absence d’amertume.
Et ce qui touche surtout, c’est que sa curiosité, son enthousiasme, et son envie de raconter, sont totalement intacts. Quelques mois de respiration, et de nouvelles perspectives semblent même lui avoir apporté une énergie supplémentaire. Il faut dire que les projets sont nombreux. Manifestement son nom évoque toujours quelque chose et quand elle a décidé de réapparaître les propositions se sont multipliées.

Elle a complètement pris le virage de l’atomisation des médias et se compose aujourd’hui une vie professionnelle qui place toujours la rencontre avec le photographe au centre de son activité. En y ajoutant des développements naturels, mais à son compte, cette fois. Elle donne ainsi des interviews en public, anime des ateliers médias, donne des conférences. Elle réalise aussi une série d’interviews filmées pour la Villa Pérochon « Question d’images », ainsi que « La scène photographique » qui est une émission réalisée dans les conditions du direct : un entretien ponctué de musiques, de sons de lectures, avec un générique, des invités… Il y a aussi ce format très léger, qu’elle affectionne, « Sur le vif » une petite interview d’une dizaine de minutes diffusée sur son site. Enfin, elle est devenue vice-présidente du pôle photographique Stimultania, pour lequel elle s’engage beaucoup et qui lui procure une certaine fierté. Bref, ça foisonne.

Mais son gros sujet, le cœur de son réacteur (le réacteur de son cœur ?), c’est son podcast « Écoutez voir » qui marche dans les traces de son émission phare « Regardez voir ».

La passeuse
Et c’est une vraie madeleine que de retrouver son timbre dans ce récent podcast. Aux premiers sons, tout ce qui fait le charme de ses émissions est là : le climat si particulier installé par son débit calme et souriant, la façon dont elle pose les silences en ayant l’air de dire « on a le temps », et cette voix, qui écoute. Et bien sûr l’ensemble reste bâti sur le socle qu’est sa capacité à faire se raconter les photographes et à nourrir la curiosité de l’auditeur.

Rien n’est imposé, tout est posé. En douceur. Et en premier lieu les images, dans lesquelles elle se promène en nous prenant par la main au cours de descriptions sensibles. L’ouverture, la bienveillance (la vraie, pas celle livrée avec la panoplie des postures modernes) et l’humilité transpirent de ses propos. L’autorité définitive du « sachant » n’a pas sa place ici, pas plus que l’entre-soi de ceux qui feraient parti du club tandis que les écouteraient ceux qui n’en feraient pas parti. En donnant la parole au photographe, elle se place du côté de l’ignorant ou plutôt du « découvrant ou du curieux », ce qui participe sans aucun doute de l’affection que lui portent les amateurs de photo et donc les photographes, et inversement.
Brigitte s’est entourée dans cette aventure d’une équipe de professionnels, ceux du studio de podcast wave.audio : Lucile Aussel (réal.), Isabelle Duriez (prod.) et bien sûr, Thomas Baumgartner, un ancien de Radio France et cofondateur de wave.audio. Il s’agit d’offrir aux auditeurs l’expérience qui permet de découvrir au mieux l’univers de l’invité et de favoriser son appréhension par le public. Elle sait que sa place est sans doute là, à la jonction de ces deux univers, et que son meilleur rôle est d’en ouvrir la porte. Une passeuse.

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À l’heure de fortes interrogations sur la surconsommation dans nos sociétés, l’exposition « Des Objets et des Hommes » questionne la place spécifique qu’occupe l’objet artistique dans la production matérielle. Que signifie faire, créer et comment l’art nous amène-t-il à reconsidérer le monde qui nous entoure ? À Reims, le Cellier présente deux solo shows, « Fantômalisa » de Laurent Le Deunff et « On dirait que quelqu’un joue du piano quelque part » de l’artiste émergente Juliette Mock ainsi qu’une étonnante série de photographies de l’artiste catalan Joan Fontcuberta, qui invitent à réfléchir sur notre rapport aux objets.

Quoi de commun entre les sculptures décalées de Laurent Le Deunff, les installations de Juliette Mock et l’« Herbarium » de Joan Fontcuberta ? Ils nous parlent des choses, de leur représentation et du rapport que nous avons avec elles. « De tous temps, l’homme a fabriqué des objets. L’homo ‘fabricus’ a existé avant l’homo sapiens, souligne Elsa Bezaury, commissaire de l’exposition, mais quelle est la spécificité de l’objet d’art ? Nous avons voulu mettre en perspective trois points de vue différents, trois artistes qui ont pris la fabrication d’objets comme point de départ de leur démarche artistique. »

« Fantômalisa » de Laurent Le Deunff
L’exposition s’ouvre sur un solo show de Laurent Le Deunff. Artiste majeur de la scène contemporaine, ce sculpteur et dessinateur crée, depuis une vingtaine d’années, des sculptures et des installations aux allures de cabinets de curiosité. Une œuvre singulière, inspirée de la nature et peuplée d’animaux en tous genres, qui renvoie à une forme d’archéologie imaginaire, à des mythologies ancestrales. L’artiste dévoile ici un corpus d’environ 80 œuvres, réunies sous le titre énigmatique de « Fantômalisa ».
« Je suis parti de Fantômas, personnage de roman adoré par les Surréalistes, pour arriver au verbe ‘ fantômaliser ’ qui signifie rendre spectral, explique Laurent Le Deunff. Dans cet espace souterrain, j’avais envie de réaliser une sorte d’inventaire de ce que j’ai pu produire ces dix dernières années, de convoquer les fantômes de mes propres œuvres dans une atmosphère inspirée du film Fog de John Carpenter. Les murs et les socles sont ainsi entièrement enduits d’une peinture évoquant le brouillard. » Dans ce paysage monochrome, le Cellier se transforme en une mystérieuse galerie de l’Évolution où l’on retrouve des sculptures étonnantes, créées à partir des matériaux les plus divers, allant du bronze au bois, du marbre au papier mâché. Dans la grande tradition de la sculpture animalière, des écureuils, escargots, dauphins, hippocampes et souris trônent sur leurs socles tandis que des totems, des espèces de fossiles plantés sur des piques et autres objets rituels évoquent les traces d’une ancienne civilisation. « En reprenant les codes d’exposition des musées d’anthropologie, l’artiste sacralise les objets présentés, nous dit qu’il y a là quelque chose de précieux et de rare » souligne Elsa Bezaury. Mais, à y regarder de plus près, les choses suggèrent autre chose que ce qu’elles prétendent être. Jouant sur les échelles, sur les décalages entre les matériaux utilisés et les sujets représentés, Le Deunff cultive l’art du détournement. C’est justement à ce moment-là que la magie opère, lorsque l’on découvre que cette relique est en réalité un chewing-gum taillé dans la pierre, que les os sont en albâtre, que les coquillages sont en papier mâché, révélant ainsi leur aspect fabriqué. Ces anachronismes font basculer l’imaginaire vers un monde onirique, plein de surprises et d’humour. En miroir, une série de dessins minutieux d’ateliers d’artistes, habités par des chats, dialogue avec les sculptures. « J’avais constitué une collection de photos de mon chat posant parmi mes œuvres en cours de réalisation. Ces images me faisaient penser au livre Le Mystère des chats peintres : bien que ce soit irrationnel, j’aimais l’idée que l’on puisse penser que le chat avait lui-même fait mes sculptures… » explique Laurent Le Deunff.
Par le biais de ces dessins à l’aspect délicieusement suranné, l’artiste questionne l’origine de ses œuvres, invente une autre temporalité tout comme dans ses dessins très réalistes d’empreintes d’animaux qui n’existent pas.

Les choses selon Juliette Mock
L’exposition se poursuit avec « On dirait que quelqu’un joue du piano quelque part » de Juliette Mock. Cette artiste émergente, diplômée de l’ESAD de Reims en 2016, s’empare de l’objet pour pointer les dérives de notre société matérialiste. Directement inspirée par Les Choses de Georges Perec qui, déjà dans les années 60, épinglait les mécanismes de frustration qu’engendre la frénésie consumériste, Juliette Mock porte un regard aussi aiguisé que poétique sur nos obsessions contemporaines. L’artiste collectionne elle-même des papiers, des imprimés, des bouts de choses, dans lesquels elle puise son inspiration pour créer des récits qui font sens. Les deux séries autour du petit-déjeuner s’appuient ainsi sur des images publicitaires d’hôtel, censées exprimer un idéal de bonheur. La légèreté du trait dans ces dessins est souillée par des traces de feutres, violemment écrasés sur le papier, tel le signe rageur de la vacuité qui pointe derrière les clichés. Juliette Mock opère aussi un parallèle intéressant entre la surconsommation d’objets et l’accumulation d’images. Nous faisons aujourd’hui avec les images ce que nous faisons avec les objets : consommer, de plus en plus, avec de moins en moins de qualité. Dans la course effrénée aux selfies et la prolifération des réseaux sociaux, c’est le même phénomène de consommation qui est à l’œuvre. Ce qu’illustrent la vidéo « Afterglow » et la pièce sonore « On dirait que quelqu’un joue du piano quelque part », qui empruntent aux codes des youtubeurs et instagrameurs pour souligner toute la banalité de ces productions.

Démêler le vrai du faux…
Enfin, une dernière section présente la série photographique « Herbarium » de Joan Fontcuberta, prêtée par le FRAC Champagne-Ardenne. L’artiste catalan y reprend les codes des herbiers scientifiques pour représenter des plantes photographiées avec soin, en argentique, sur un fond neutre. Malgré l’impressionnante exactitude des formes, un étrange sentiment s’empare assez vite de l’observateur. Car, dans ce travail, tout est faux. L’artiste récupère des détritus pour fabriquer des végétaux imaginaires qu’il photographie en parodiant les postures documentaires. Cette série datant du début des années 80 est la première de nombreux autres projets dans lesquels Fontcuberta ne cesse de démystifier l’idée d’une objectivité photographique. À l’heure du fake généralisé, cette façon ironique de se jouer de la réalité et de la fiction permet de dénoncer la manipulation cachée sous les images et d’éveiller le sens critique.
« Favoriser la prise de conscience, c’est tout l’enjeu de cette exposition qui invite à prendre le temps de réfléchir à cette matérialité qui nous entoure, au lien entre matière et pensée, poursuit Elsa Bezaury. L’art n’a pas besoin de parler directement d’écologie, d’être illustratif, pour aider à la prise de conscience de ce qu’est le phénomène de l’anthropocène, à savoir la complète intégration de l’homme dans son environnement, à la fois agissant et soumis à ce système global. Ce sentiment d’appartenance à un tout est indispensable pour construire une pensée écologique. » En ce sens, « Des Objets et des Hommes » ouvre un champ de réflexion plus politique qu’il n’y paraît…

« Des Objets et des Hommes »
du 07/12/22 au 25/02/23
mer. > dim. de 14h à 18h (Fermeture du 24/12/22 au 03/01/22)
Le Cellier 4 bis rue de Mars, 51100 Reims – entrée libre
infoculture-reims.fr ; reims.fr
laurentledeunff.fr
Laurent le Deunff est représenté par la galerie Semiose (semiose.com)
instagram.com/juliettemock

Image de une: Laurent Le Deunff, Tigre-Raie, 2016 © Jean-Christophe Garcia / courtesy Semiose, Paris

La belle idée que de confier à Jean-Michel Fauquet un travail autour de l’œuvre et du personnage de Balzac. Alors que l’écrivain était un observateur sans complaisance du manège des hommes entre eux, Fauquet, lui, n’a d’appétit que pour l’étude des ressorts insondables et mystérieux de l’homme en tant qu’individu. Deux regards qui observent le même monde depuis deux points de vue à peu près opposés.

Fauquet, c’est une sorte de vulcain en chambre qui forge avec constance un monde parallèle. Depuis son atelier, il est aussi un explorateur, mais un explorateur de l’intérieur de lui-même. Une sorte de démiurge miniature qui modèle son œuvre, sa créature, selon des règles dont il est le seul maître en cheminant sur une voie qu’il a lui-même tracée.

Il dessine, sculpte, peint, façonne à grands traits un monde de carton. Il photographie, peint à nouveau, dessine à nouveau, patine avec de la cire… Il n’est photographe qu’entre autres choses. La photographie n’est qu’une partie du processus. Les images d’objets ou de situations mises en scène, et dans lesquelles il apparaît parfois, sont domptées par sa main, dominées par son geste. Il en résulte des œuvres qui semblent sortir tout droit des ténèbres, mais après un long chemin. C’est noir, épais charbonneux, sourd…
Deux personnages assis face à nous, emballés dans des étoffes jetées à la hâte masquant jusqu’à leurs visages, semblent attendre. Un bouquet de fleurs livre sa vraie nature de papier mâché. Une sorte de tour de Babel de carton est le sujet d’une mise en scène dans un studio dont on perçoit les contours, un personnage attablé fait disparaître sa tête dans son manteau…. On y voit un monde mystérieux, dont on sait d’emblée qu’il ne livrera pas tous ses secrets. On est pourtant aimanté par son obscure beauté, qui nous attire irrésistiblement comme une sirène de charbon. Il aura accouché d’une vision, sans titre et sans récit, un matériau brut. À nous de jouer maintenant, c’est au spectateur de laisser la capacité de révélation de l’œuvre agir.

JEAN-MICHEL FAUQUET, « LE CODE DES GENS HONNÊTES »
DU 4 NOVEMBRE AU 11 DÉCEMBRE À LA ROTONDE BALZAC
11 RUE BERRYER, 75008 PARIS
jmfauquet.weebly.com

photodays.paris
instagram.com/photodays.paris

En novembre 2021 le festival Photo Days et l’Office du Tourisme et des Congrès de Paris s’associent pour lancer le Grand Prix de Photographie « Paris je t’aime x Photo Days ». Un nouveau rendez-vous annuel dont l’objectif est de créer un ensemble de visions singulières de la ville de Paris. La première édition a pour thématique « Paris Vert », un thème ouvert pour lequel la proposition de l’artiste SMITH s’est démarquée. Alors que l’artiste finalise son projet en prévision de son exposition lors de Photo Days 2022 – à La Caserne du 7 au 20 novembre –, il nous présente son parcours et sa démarche.

Créé par Emmanuelle de l’Ecotais, Photo Days fédère près de 90 lieux dans Paris et en Île-de-France autour de la photographie et de la vidéo. Les institutions, galeries, ateliers d’artistes et appartements de collectionneurs ouvrent leurs portes aux visiteurs, professionnels ou amateurs, pour une immersion photographique totale au moment où Paris devient la capitale mondiale de la photographie. L’an dernier le Grand Prix de Photographie « Paris je t’aime × Photo Days » a sélectionné le regard ingénu de l’artiste SMITH sur « Paris Vert ». Il s’explique : « J’ai grandi à Paris. Dans mon imaginaire d’enfant, les parcs de Belleville, les Buttes Chaumont et les quais du canal Saint-Martin constituaient la nature. Je n’en étais pas triste, au contraire, et j’ai toujours eu avec ces parcs une relation particulière. Mal entretenus à l’époque, ils avaient aux yeux d’un enfant une dimension sauvage. Avec ‘Paris Vert’ je vais proposer une vision de Paris et de ses espaces verts à travers ce regard d’enfant, son impression d’immensité et de nature.»

Né en 1985, SMITH est photographe, cinéaste, plasticien et doctorant en esthétique. Son travail interdisciplinaire s’appréhende comme une observation de la constitution, de l’évolution et des mues de l’humain. Mêlant art et sciences, technologies et savoirs-faire, SMITH développe un répertoire poétique de la métamorphose. Il donne corps à des processus de subjectivation qui agissent en creux ou en négatif, jusqu’à l’effacement, l’altération ou l’atteinte de l’identité. Ses œuvres invitent à une immersion dans une esthétique fantomale propice à la contemplation ou à la rêverie. « Je fais des photos partout, en permanence, depuis que je suis petit. C’est ce que j’aime appeler ma langue maternelle. J’ai une pratique quotidienne et permanente d’un côté et de l’autre des projets transdisciplinaires. »

Depuis 2011, Smith interroge les limites du visible et du non visible à l’aide d’une caméra thermique. Il s’agit d’un outil de pointe permettant de capter le rayonnement infrarouge (ondes de chaleur) émis par les corps et qui varie en fonction de leur température. « Elle perçoit les ondes de chaleur dégagées par le sujet et les restitue sous forme de zones de couleurs. C’est assez magique. Je la considère presque comme une prothèse. J’ai l’impression d’avoir un nouveau sens qui se superpose au toucher. Voir la chaleur est une dimension sensitive supplémentaire que je souhaite partager avec le spectateur. »
Utilisée comme un moyen d’observation de l’identité humaine et d’étude des frictions avec le non humain – végétal, minéral, fiction – la caméra thermique offre une perception du monde plus grande et la compréhension que notre réalité n’est en fait qu’« une infinité minuscule de la réalité ».

C’est alors doté de cette caméra que SMITH explore les espaces de frictions entre l’humain et la nature parisienne. L’expérience est éminemment sensorielle et autobiographique. Sur les traces des ruelles de son enfance, il y inscrit la valeur psychique du rêve qui parsème son œuvre depuis plus de 15 ans.
Cette déambulation intime et sentimentale, similaire au tropisme de Verlaine, nous renvoie à une certaine mélancolie parisienne par laquelle l’être se perd dans le paysage. « Je pense que dans ma vie je cherche à aller en permanence vers cette tranquillité et cette disposition à la rêverie. Cette série est une façon de retranscrire cela. »

La caméra capte toute chose reflétant la lumière du soleil et traduit chaque degré par une valeur chromatique. Au milieu de l’immensité bleutée de la ville, l’humain retranscrit en orange, apparaît comme un épiphénomène dans cette formation thermique. Chaque image captive le regard par la manière dont le photographe réussit, à travers elles, à faire revivre un certain romantisme allemand. Empreintes de mysticisme, elles évoquent en effet aux yeux de l’artiste l’iconographie allemande du XVIIIe ou l’œuvre d’Andreï Tarkovski par « la diffusion de l’identité dans le paysage et l’idée d’une sorte d’harmonie qui se dissout dans l’immensité d’un paysage merveilleux. Il y a quelque chose de très poétique et mystique dans l’imagerie thermique qui rend l’image profondément romantique ».

On peut sans peine percevoir les points de convergence entre certaines images prises du sommet des Buttes Chaumont et Le Voyageur contemplant une mer de nuages de Caspar David Friedrich, figure de proue du romantisme. Paris, ville économique et dynamique, se transforme en un paysage grandiose où l’horizon s’étend à perte de vue, laissant au spectateur un sentiment d’immensité et de liberté mêlé à celui du vide. « À Paris, nous sommes sollicités en permanence, chaque quartier est un supermarché à ciel ouvert. La caméra thermique ne voit pas ça. La publicité est une surface vierge, la ville n’est pas polluée par la bouche dévorante du capitalisme. On revient à quelque chose de plus essentiel et finalement de plus photographique : de la lumière et son reflet. » La nature impose sa puissance face à l’humanité, c’est elle qui dirige en fin de compte.

« PARIS VERT » PAR SMITH
DU 7 AU 20 NOVEMBRE À LA CASERNE
12 RUE PHILIPPE DE GIRARD, 75010 PARIS
instagram.com/traumsmith

SMITH, Artiste de la galerie Christophe Gaillard
galeriegaillard.com

photodays.paris
instagram.com/photodays.paris

Pour « Photo pas photo » (la partie de Photo Days programmée en partenariat avec Parcours Saint-Germain), un parcours éclectique nous invite à déambuler dans le quartier Saint-Germain-des-Prés, d’une boutique à une terrasse de café en passant par un espace public. Il va être intéressant de croiser le travail de la photographe Flore (prix Marc Ladreit de Lacharrière en 2018 et prix Nadar en 2020 pour son livre « l’odeur de la nuit était celle du jasmin ») avec son univers poétique hors du temps et ses tirages raffinés dans l’ambiance cosy du café Louise. L’artiste a prélevé quelques plantes dans le jardin du musée Delacroix pour réaliser une nouvelle série. Tout autre univers que celui du plasticien Gregor Hildebrandt, peintre et sculpteur de notoriété internationale connu pour l’utilisation, entre autres, de cassettes audio ou de vinyles comme supports d’images photographiques. Il a été invité à réaliser une série de huit œuvres spécialement pour le Café de Flore (où elles seront exposées). À noter aussi la présence du photographe sud-africain Pieter Hugo qui impressionne notamment avec ses portraits puissants depuis les années 2005-2010. L’exposition de sa série « 1994 » aura lieu à la Sorbonne Artgallery lors de « Photo pas photo » du 8 novembre au 11 décembre.

Pour « Place à la photo », la connexion se fait d’abord par un maillage d’une cinquantaine de galeries partenaires. On y trouve une assez grande diversité de galeries, mais surtout une majorité de galeries spécialisées « photo », accompagnée d’une belle sélection de galeries d’art « photo-compatibles » (des galeries qui se positionnent « art contemporain » mais dont certains artistes utilisent le médium photo, par exemple). Dès la deuxième édition, ces lieux privés ont été rejoints par un assez grand nombre d’institutions qui « comptent » dans milieu de la photo comme par exemple la MEP, le Jeu de Paume ou le Centre Pompidou. Tous ces lieux sont libres de leur programmation, mais la plupart joue le jeu de l’adapter à l’événement. Parmi ceux-ci, la galerie Baudoin Lebon montrera le travail de Joel-Peter Witkin, et son monde inquiétant peuplé de physiques difformes ou de membres de cadavres. On est aussi très curieux de découvrir le travail conceptuel du jeune Máté Dobokay chez la toujours inspirée galerie Bigaignon. Plus classique, mais résolument mythique : vous pourrez voir des œuvres du photojournaliste Marc Riboud (1923-2016) chez la Galerie Arcturus. À ces lieux de « monstration » habituels, s’ajoutent des lieux dits « atypiques » (entendre « non-traditionnels » dans le schéma classique du rapport exposant/spectateur, et d’une façon générale non-conçus pour recevoir du public et encore moins pour organiser une expo) comme des studios de photographes mythiques (Jean-François Bauret, Frank Horvat) exceptionnellement ouverts à la visite, ou même des appartements de collectionneurs (chez Véronique Hublot-Pierre). Enfin, suffisamment rare pour ne pas être manquée, la rétrospective d’Erwin Blumenfeld, un photographe de mode totalement précurseur des années 30-50, au Musée d’art et d’histoire du Judaïsme à partir du 13 octobre (exposition « Les Tribulations d’Erwin Blumenfeld, 1930-1950 »).

Une des originalités du projet – qui lui donne par ailleurs beaucoup de sens – est de proposer des visites guidées par thème (« abstraction ou minimalisme » ou « le corps » lors de l’édition passée par exemple). Une équipe de Photo Days emmène des groupes de visiteurs dans un parcours commenté, d’un lieu partenaire à un autre. C’est gratuit, il suffit de s’inscrire. Des visites sur-mesure peuvent même être envisagées sur demande. Avec ces visites, la connexion entre les lieux de photo devient vraiment palpable.

Dans la même idée de fluidité et de proximité avec la création, vous pourrez rencontrer et échanger directement avec les artistes à l’occasion de rencontres organisées dans ce seul objectif. L’an dernier, il aura ainsi été possible de rencontrer et d’échanger le même jour avec des artistes aussi divers, intéressants, et de belle notoriété, qu’Antoine D’Agata, Adrien Boyer, Laura Henno, Anaïs Tondeur… Un rendez-vous qui aura lieu tous les mercredis soirs (durant toute la durée du festival) au club privé We are_, partenaire de l’événement. La liste n’est pas encore définie à l’heure où nous écrivons ces lignes mais sera consultable sur le site de Photo Days.

À côté de ces parcours et différents modes d’exposition se tiendront plusieurs évènements parmi lesquels la remise à la MEP le 21 novembre du Prix StudioCollector d’Isabelle et Jean-Conrad Lemaître qui récompense spécifiquement des travaux vidéo, ou une soirée événement au Grand Rex…

Mais l’autre gros point d’intérêt du festival, est sa politique de soutien à la création. Photo Days a en effet passé commande à plusieurs artistes spécifiquement pour l’événement, sans contre-partie. Jean-Michel Fauquet, avec son univers poético-brutaliste complexe et mystérieux, sera exposé à la Rotonde Balzac, un petit lieu d’une poésie folle édifié en 1891 par Adèle de Rothschild sur l’emplacement de la dernière demeure de l’écrivain. Il s’est vu confier une commande en lien avec l’univers du monument littéraire français et y présentera, du 4 novembre au 11 décembre, une de ses créations habitées (par lui, littéralement, assez souvent) qui mêle dessin, sculpture, « chaudronnage de carton » comme il le qualifie lui-même, et, in fine, photographie. À la Rotonde Balzac toujours, l’exposition de l’artiste conceptuel Yann Toma du 15 octobre au 2 novembre, produite par Photo Days également.

Dans un tout autre genre, le photographe SMITH, qui avait notamment fait sensation à Arles en 2021 avec son exposition « Désidération » – il en avait aussi fait l’affiche –, dévoilera à
La Caserne du 7 au 20 novembre le travail dont il a reçu commande en devenant le premier lauréat (2021) du grand prix « Paris, je t’aime » organisé par Photo Days en partenariat avec l’Office du Tourisme et des Congrès de Paris sur le thème « Paris Vert ». Il continue d’y explorer les possibilités introspectives de sa caméra thermique.

On a aussi remarqué que la photographe franco-américaine Nancy Wilson-Pajic (née en 1941) exposera ses célèbres – et très beaux – grands photogrammes chez We are_ du 7 novembre au 12 décembre. Enfin, si vous avez l’occasion de faire un pas de côté jusqu’à Deauville, vous aurez peut-être la chance de pouvoir observer une œuvre du grand Georges Rousse, créée, comme toujours in situ, pour l’occasion. Elle a été réalisée dans le cadre d’un partenariat entre Photo Days qui en profite pour élargir son horizon géographique, et le festival photo Planches Contact de Deauville, qui se montre de plus en plus passionnant. Les photos de l’installation de Georges Rousse seront aussi exposées à Paris chez Nespresso (55 rue de Rennes, Paris 6ème) Jusqu’au 6 novembre.

Enfin, nous ne voulions pas achever le petit tour d’horizon sans évoquer l’organisation de lectures de portfolios, qui sont en elles-mêmes une forme de soutien à la création. Les photographes de tout poil vont en effet pouvoir présenter leur travail à des personnalités qualifiées du monde de la photo. Les lectures de portfolios, la plupart du temps payantes (le regard qualifié, le temps et l’attention qui vont avec ont en effet de la valeur) demeurent ici gratuites, et se déroulent les 10, 11, 12, 14 et 15 novembre dans un lieu magique, la Fondazione Sozzani, ce qui ne gâche rien.

Bon festival !

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Alors que s’annonce sa troisième édition, le festival parisien de photographie grandit et cultive l’art de faire découvrir la photo au plus grand nombre.

Lorsque l’on écoute attentivement Emmanuelle de L’Ecotais évoquer Photo Days, le temps fort dédié à la photo à Paris qu’elle a imaginé en 2019, on est surpris par son ton calme, posé, dans lequel point une profonde humilité. Pas une trace de fierté, ni d’ego mal placé. Il y aurait pourtant de quoi se féliciter d’une belle réussite. L’événement a mobilisé 90 lieux différents (galeries, foires, maisons de vente…) lors de sa seconde édition, à l’automne dernier…

Photo Days est né de l’envie de redonner à Paris un événement qui aurait une dynamique similaire au Mois de la Photo, « avec le désir de sensibiliser les publics à la photo, de passer des commandes à des artistes pour des lieux emblématiques ou atypiques habituellement fermés au public, de créer une synergie entre le travail d’un artiste et l’architecture ; un peu comme si l’on faisait vivre les Journées du Patrimoine avec l’art contemporain » tel que l’explique Emmanuelle de L’Ecotais. La crise Covid-19 intervient et rend impossible l’organisation de la manifestation dans certains lieux institutionnels fermés au public. « Je risquais de devoir annuler, je craignais de perdre tous mes soutiens », se souvient Emmanuelle de L’Ecotais, qui a alors l’idée de se tourner vers les galeries pour réaliser un événement à l’échelle de toute la ville de Paris. « Je suis allée voir toutes les galeries avec l’idée qu’il fallait créer un parcours pour palier l’annulation de Paris Photo. Les galeries étant de petits commerces, elles étaient en mesure d’ouvrir. » Elles seront une trentaine à répondre présentes. Lors de cette première édition, Photo Days a également produit sa première exposition dans un lieu fermé au public jusqu’ici : Alkis Boutlis – Penser, c’est voir ! à La Rotonde Balzac, située dans les jardins de l’Hôtel de Rothschild (Fondation des Artistes). Audacieuse dans son projet, portée par une forte volonté de démocratisation de son art, elle entend changer le rapport qu’entretient le grand public avec la photographie, mais aussi avec les photographes. Un leitmotiv : décloisonner, ouvrir, rendre les rencontres possibles. Photos Days a su, sur ce plan, briser les codes et transformer la relation d’un festival à ses publics.

S’il est ici question de découverte, Emmanuelle de L’Ecotais joue la carte de la proximité. Des visites « à la carte » peuvent être proposées sur réservation à celles et ceux qui en font la demande. « On peut nous contacter et nous solliciter pour une visite organisée, soit dans un quartier, soit autour d’une thématique. Et nous procédons de même, quand cela est possible, pour des rencontres avec les artistes. » Plus de 500 visites ont été organisées en 2021. Du jamais vu dans les grands festivals de photo et même, plus généralement, dans l’univers des festivals où l’on ne prend guère le temps du « sur-mesure ». Photo Days propose aussi, comme d’autres, des lectures de portfolios, ces moments où des passionnés de photographie donnent à voir leur travail à des professionnels. Le temps d’échange est riche d’enseignement, de conseils. Là où les festivals commercialisent ces temps de rencontre, sur réservation, Photos Days les ouvre au plus grand nombre, gratuitement, à la Fondazione Sozzani. La rencontre, elle, n’est pas dévaluée, puisque que ce sont de très grands noms de la photographie (photographes, commissaires d’exposition…) qui rencontrent à cette occasion les amateurs éclairés et les artistes en devenir. Une chance incroyable pour ceux qui vivront les 300 lectures prévues en 2022. Enfin, et il est légitime de le souligner, Photo Days est aussi un projet solidaire qui collabore avec la fondation « photo4food », qui propose l’acquisition de photos en échange de dons permettant de financer des repas pour des personnes démunies. Il y a là, dans cette attention portée aux publics, et avant tout à l’autre, un axe singulier d’un projet qui dépasse la seule exposition de photographies.

L’écosystème Photo Days
La seconde édition marque une montée en puissance avec 90 lieux partenaires mais aussi « quelques lieux privés soigneusement choisis comme des ateliers d’artistes, des hôtels, des appartements de collectionneurs, ainsi que deux laboratoires, afin de proposer aux visiteurs, professionnels ou amateurs, une immersion photographique totale ». Pour la programmation du festival, Emmanuelle de l’Ecotais encourage la prise d’initiative, invitant les galeries partenaires à choisir les artistes qu’elles souhaitent mettre en valeur.
Tout un monde professionnel, par ailleurs concurrentiel, se réunit à l’année sur un projet commun dans la rencontre des publics. Autant dire que la quasi-totalité des lieux gravitant dans l’univers de la photographie à Paris sont engagés dans ce qui ressemble à une aventure commune, à une organisation partagée.
À ceci s’ajoute la programmation d’Emmanuelle de L’Ecotais avec les expositions qu’elle produit elle-même : ainsi pour Jean-Michel Fauquet à la Rotonde Balzac, Nancy Wilson-Pajic au club privé We are_, Pieter Hugo à la Sorbonne Artgallery, de grands artistes internationaux. Photo Days mobilise une bonne part de son budget pour passer des commandes artistiques aux photographes. « Le soutien à la création est pour moi fondamental et je ne pouvais pas imaginer que Photo Days voit le jour sans que nous nous engagions sur cela aux côtés des artistes. Nous finançons ces commandes, elles sont présentées au public mais nous ne demandons aucune contrepartie aux artistes, qui demeurent propriétaires de leurs œuvres ainsi réalisées. » Une pratique peu commune dans l’univers de la photographie. Rares sont les manifestations qui ne demandent pas aux photographes de leur céder quelques œuvres en retour, à commencer par les Rencontres d’Arles. Un soutien qui s’exprime aussi dans de nouvelles collaborations comme cette création in situ de Georges Rousse produite par Photo Days pour le festival Planches Contact à Deauville. Dans une débauche d’énergie, et sans soutien majeur des institutions publiques, Emmanuelle de L’Ecotais a construit une troisième édition passionnante de Photo Days. À ses côtés, INOCAP Gestion, l’Office du Tourisme et des Congrès de Paris, Van Cleef & Arpels, Tikehau Capital et, depuis cette année, la Société Générale. Mais aussi toutes les galeries participantes qui s’acquittent d’un droit d’entrée – le budget collecté grâce aux sponsors étant utilisé pour passer commande aux artistes tandis que les cotisations servent à l’organisation et à la communication.

« Photo pas photo » en préambule
En préambule de cette nouvelle édition, Photo Days croisera le chemin de Parcours Saint-Germain*, autre figure de la création contemporaine dans ce prestigieux quartier parisien. Il sera ici question de l’art contemporain, de matière et de matériaux, et de la façon dont la photographie y trouve place. « Aujourd’hui, la photographie n’est plus perçue comme une technique mais comme le prolongement de notre regard, observe Emmanuelle de L’Ecotais. Ensemble, avec Parcours Saint-Germain, nous nous sommes demandés ce qu’un artiste d’aujourd’hui pouvait réaliser en travaillant avec ce médium. Les œuvres sélectionnées suggèrent une sorte de mutation génétique de la photographie, qui s’affranchit de sa nature pour devenir une forme hybride, le mélange de modes d’expression artistique les plus variés. » Ce parcours conjoint intitulé « Photo pas photo » (du 15 octobre au 6 novembre) mettra donc en lumière des artistes qui réinventent la photographie en lui imaginant un nouveau langage, donnant naissance à des résultats totalement inattendus. L’objectif est ici aussi de faire découvrir la photographie au plus grand nombre. « C’est, dans le monde de l’art contemporain, le médium qui reste le plus accessible à tous. C’est une porte d’entrée dans le monde de l’art. C’est ainsi que je le conçois et c’est ce qui me motive chaque jour, assure-t-elle. Je reste très attentive, notamment aux jeunes générations. C’est dans la photographie, parce que les prix y sont abordables, que l’on rencontre le plus de jeunes collectionneurs. » Certains y resteront, d’autres se tourneront vers d’autres formes d’art contemporain, mais Photo Days aura tenu son rôle de vecteur d’une découverte et d’une passion artistique.
* parcoursaintgermain.com

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