Harry Gruyaert est un photographe belge (né à Anvers) qui vit et travaille à Paris, connu comme l’un des pionniers de la couleur.

En 1981, il devient membre de l’agence Magnum. Bien qu’il en soit l’un des grands représentants, il s’éloigne du goût des fondateurs pour le photojournalisme et le noir et blanc.

Avec pour fil rouge la couleur et la lumière – éléments de construction de ses images hypergraphiques – il arpente le monde. Le Maroc par exemple, voyage capital pour lui, lui vaudra le prix Kodak en 1976. Il y retournera de nombreuses fois pour en capturer la beauté et en témoigner dans ses ouvrages.

S’il a parcouru les richesses de l’Inde, de la Russie, du Japon, des États-Unis, etc., il n’en oublie pas les contrées moins lointaines, comme le nord de la France ou sa Belgique natale autour de laquelle il livre deux séries : Roots et Made in Belgium.

Il crée aussi du lien entre les différentes destinations qu’il a parcourues en alimentant des séries sur des thèmes comme les espaces transitoires (Last Call), les lieux du quotidien (Between Worlds) ou encore les bords de mer (Rivages).

Dans toutes ces images, on remarque une constante : il se passe quelque chose dans les ombres. En approfondissant leur noir, il met la couleur en lumière, la fait vibrer. Son utilisation de la couleur doit être, selon ses mots, « primordiale, sinon, c’est de la photo noir et blanc coloriée ».

Retrouvez l’interview d’Harry Gruyaert par la journaliste photo Brigitte Patient dans l’épisode 10 de son podcast « Écoutez Voir ».

Pour poursuivre votre exploration de l’œuvre d’Harry Gruyaert, nous vous renvoyons au Photo Poche qui lui est consacré (éditions Actes Sud, novembre 2022, 144 pages) et à l’exposition en cours au BAL à Paris (jusqu’au 24 septembre 2023) « Harry Gruyaert – La part des choses », qui réunit pour la première fois 80 tirages réalisés entre 1974 à 1996 selon le procédé Cibachrome qui se distingue par la netteté de l’image, l’intensité des couleurs et la saturation des aplats. L’exposition est organisée en collaboration avec la Gallery FIFTY ONE à Anvers, qui le représente.

brigittepatient.com/ecoutez-voir
www.wave.audio

magnumphotos.com
gallery51.com
le-bal.fr

Sylvie Rondeau et ses enfants s’évertuent à diffuser et à valoriser l’œuvre laissée par le photographe Gérard Rondeau, brutalement décédé en 2016.

Immense artiste photographe, Gérard Rondeau est décédé brutalement en 2016, laissant derrière lui une œuvre protéiforme où se mêlent de très nombreux portraits, des recherches sur le paysage et le patrimoine et bien d’autres sujets encore. Depuis lors, son épouse Sylvie veille sur les milliers de négatifs conservés dans les tiroirs de la demeure familiale. Elle y conserve aussi les tirages de petit format, alors que les plus grandes pièces sont pour l’heure stockées dans les greniers de l’Hôtel du Marc, à Reims. Une chance, car la principale difficulté, lorsque l’on doit gérer un fonds patrimonial de cette importance, tient d’abord à l’espace nécessaire pour stocker autant de matériaux. Puis à l’organisation du fonds : « Nous avons la chance que Gérard ait été très minutieux dans ses classements, d’abord chronologiques jusqu’au début des années 2000, puis thématiques par la suite », observe Sylvie Rondeau, en charge avec ses enfants de faire vivre l’œuvre inestimable de l’artiste.

La tâche est conséquente, les demandes affluent chaque mois pour que l’on retrouve le négatif ou le tirage d’une photo de Gérard Rondeau. Bien que l’œuvre du photographe champenois soit représentée par l’agence VU’ pour ce qui concerne les photographies les plus diffusées, ainsi que par la galerie parisienne Baudoin Lebon, bien des sollicitations échoient à Sylvie Rondeau qui doit s’attacher, parfois pendant des jours, à rechercher la photo désirée pour une exposition, une insertion dans un magazine, une édition… « Heureusement, 35 ouvrages des photos de Gérard ont été publiés, constate-t-elle. C’est une source d’information très importante pour moi, je peux retrouver les clichés plus facilement en m’appuyant sur cette bibliographie. » Gérard Rondeau a aussi conservé tous les tirages, encadrés, des expositions qui lui ont été consacrées et son épouse dispose également de nombreuses boîtes de tirages de lecture dans lesquelles elle peut puiser et qu’elle peut, éventuellement, faire numériser en haute définition par le laboratoire Dupon, à Neuilly-Sur-Seine, qui travaillait déjà avec son mari de longue date. Seul un dixième des négatifs a pu être numérisé à ce jour, et aucun inventaire exhaustif de ceux-ci n’a été réalisé depuis 2004, preuve s’il en est qu’il reste un travail considérable à mener pour sauvegarder et faire circuler plus encore l’œuvre laissée par l’artiste. Un travail professionnel auquel ne peut bien sûr se livrer seule la famille du photographe.

Les portraits de Gérard Rondeau, souvent des portraits d’artistes réalisés pour le quotidien Le Monde, avec lequel il a collaboré pendant plusieurs décennies, sont particulièrement recherchés. Pour illustrer l’hommage rendu au peintre Pierre Soulages lors de son décès, c’est un portrait de Gérard Rondeau qu’a choisi la rédaction du journal, voici quelques mois. Au décès du photographe, le critique d’art Philippe Dagen évoquait ainsi, dans les colonnes du Monde, l’art du portrait tel qu’il le pratiquait : « L’instant de l’image, pour Rondeau, n’est décisif qu’autant qu’on le sent lourd de ce qui a précédé – une histoire qui se déchiffre dans les rides et les vêtements – et plein de ce qui pourrait arriver ensuite – un sourire ou une colère. Celles et ceux que Rondeau regarde sont, quels que soient leur âge et leur situation, des êtres denses et compliqués que l’on ne peut que supposer et poursuivre par la pensée ». Une belle manière de toucher à la puissance d’une œuvre d’une rare profondeur. On sollicite Sylvie Rondeau pour des couvertures d’ouvrages. Ainsi récemment pour Les Vivants et les autres, le dernier livre de l’écrivain angolais José Eduardo Agualusa, ou bien pour la réédition de La Peste et de L’Étranger, de Camus, « qui ont été très lus durant les confinements ». Ou encore pour un portrait de Jean-Paul Riopelle, sans doute le plus grand peintre québécois, compagnon de Joan Mitchell et ami de Paul Rebeyrolle, dont le portrait, réalisé par Gérard Rondeau, figurera en bonne place, cet été, dans la rétrospective qui lui sera consacrée au Québec.

L’œuvre laissée par Gérard Rondeau est colossale et son épouse entend la partager avec le plus grand nombre. Elle a bien à l’esprit quelques idées d’ouvrages, pour l’instant à l’état de projet, mais elle s’évertue d’abord à monter chaque année deux expositions des photographies de Gérard Rondeau. « Ce n’est pas le plus simple. Je suis devenue commissaire d’exposition comme cela, seule. Gérard est décédé très brutalement, il n’y a pas eu de transmission pour cela. La préparation d’une exposition exige beaucoup de recherche, des choix et un travail que l’on n’imagine pas lorsqu’ensuite on la visite. » Sylvie Rondeau se charge personnellement de l’accrochage. « Je connais si bien les attentes que Gérard avait en la matière. J’essaie donc d’accrocher les œuvres dans l’esprit de ce que, lui, aurait aimé voir. » Contactée par les collectivités qui souhaitent exposer l’œuvre de Gérard Rondeau, son épouse n’a pas à porter de démarches spécifiques, la structure accueillant l’exposition se chargeant des demandes de subventions, des contrats d’assurance, du transport, etc.

Pour diffuser l’œuvre de Rondeau, son épouse est aidée par l’association Gérard Rondeau, que préside l’écrivain et journaliste Jean-Paul Kauffman et au sein de laquelle figurent quelques proches du photographe, comme l’auteur et académicien Frédéric Vitoux, l’éditeur et journaliste Olivier Frébourg, fondateur des Éditions des Équateurs, ou le musicien Miguel da Silva. Depuis sa fondation, en 2008, l’association a pour objet la promotion, la diffusion et la défense de l’œuvre du photographe. Elle peut être amenée à collecter des fonds sur des projets spécifiques permettant sa valorisation. « Ils sont tous d’un appui formidable pour faire connaître l’œuvre de Gérard, en parler autour d’eux, nous mettre en relation avec des personnes qui pourraient l’exposer ou l’éditer », souligne Sylvie Rondeau, assistée dans ses nombreuses démarches par ses trois enfants. « Ma fille a réalisé l’inventaire de toutes les photographies encadrées. C’est un travail conséquent sans lequel il nous serait impossible de sélectionner les photographies pour les besoins d’une exposition », assure-t-elle. À cela s’ajoute l’actualisation, difficile à tenir, du site Internet de l’artiste. Un modèle familial qui trouve ses limites tant la tâche est considérable. Pour aller plus loin, et donner plus de visibilité encore à la recherche unique de l’artiste champenois, un nouvel accompagnement du fonds devra être imaginé…

gerardrondeau.com
IG : @gerardrondeauphoto

En résidence pour le Festival Portrait(s) qui explore depuis dix ans la figure humaine sous toutes ses coutures, la photographe Letizia Le Fur pointe les visages des séniors de la ville en autant de tableaux tendres et acidulés. Une déambulation visuelle en toute liberté avec le célèbre « carreau » de Vichy revisité.

 À l’époque de Napoléon III, la dernière mode voulait que l’on soit vu en « Vichy », c’est-à-dire être vêtu du célèbre motif du tissu de la ville, de petits carreaux de couleur mêlés à de petits carreaux blancs. L’impératrice Eugénie en serait même tombée amoureuse et aurait ainsi participé à propager le tissu dans toute l’Europe, les « élégantes » de la fin du XIX^e siècle achevant le travail à ses côtés et faisant de lui un accessoire dernier cri. La photographe Letizia Le Fur a joué le jeu de ce carreau à fond : « J’ai quadrillé la ville de long en large pendant environ trois semaines pour préparer le shooting de cette série tout en m’inspirant de ce célèbre carreau. Nous avons réalisé ensuite quatre jours de shooting intense et puis je suis restée quelques jours pour prendre en photographie différents endroits de Vichy ».

Invitée par la ville, elle a ainsi dressé le portrait de « séniors actifs », de personnes qui vivent en plein « troisième âge » et semblent le revendiquer, le porter haut ainsi qu’une médaille, mais avec un certain humour et de la légèreté. Un casting a été réalisé auprès des habitants et, une fois sélectionnés, ils ont été habillés par la styliste Marjorie Donnart et placés dans des situations singulières, au cœur de différents lieux représentatifs de la ville. « Je voulais souligner la palette colorée de Vichy et montrer des coins qu’on ne voit pas forcément », explique Letizia Le Fur. Ainsi de tel théâtre aux fauteuils d’un jaune très prononcé, de ce vitrail art nouveau qui représente des musiciens en plein concert ou encore de cette cheminée en brique orange dans un pur style années 1970.

La photographe s’amuse des codes et des couleurs et vient pulvériser l’idée que nous nous faisons d’une vieillesse déclinante et décliniste. « J’ai voulu montrer des personnes âgées heureuses, bien dans leur âge », témoigne-t-elle et de confier que ce travail l’a changée, lui a permis d’ouvrir davantage les yeux sur le grand âge. Comme elle l’écrit dans un texte au début du livre qu’elle publie sur la série aux éditions Filigranes : « En rentrant à Paris, dans cette ville parfois hostile aux plus âgés, je me suis surprise à sourire à une dame voûtée et plus fluette que son caddie. Avant je serais peut-être passée à côté d’elle sans la regarder. »

letizialefur.com
IG : @letizialefur
Le livre « Quadrille » de Letizia Le Fur sur filigranes.com

Portrait(s), Rendez-vous photographique de Vichy
Jusqu’au 1^er octobre 2023
À Vichy (Allier) : Esplanade du Lac d’Allier, Grand Établissement Thermal, Parvis de la gare
La programmation sur www.ville-vichy.fr/portraits

Après une exposition consacrée à Claude Monet organisée l’été dernier, le musée d’Art moderne de Fontevraud, soutenu par la région Pays de la Loire, poursuit sa présentation de figures majeures de l’histoire de l’art avec une mise en lumière, jusqu’au 24 septembre 2023, des eaux-fortes de Rembrandt (1606 – 1669), un pan inattendu et pourtant fondamental de l’œuvre de l’artiste.

Si l’on connaît déjà le Rembrandt peintre, on y fait ici la connaissance du Rembrandt graveur, développant les possibilités infinies de l’eau-forte dès 1625, à Leyde aux Pays-Bas. Cette technique de gravure par procédé chimique, dont il est devenu un maître incontesté, a largement contribué à le rendre célèbre en Europe.

Présentant au total cent eaux-fortes – dont une majeure partie provient du Fonds Glénat, complétée par des œuvres issues d’autres collections comme celles de la Fondation Custodia et du musée du Petit Palais à Paris –, le parcours se focalise sur les moyens esthétiques (clair-obscur, trouée, accumulation…) et techniques (traits, hachures…) que l’artiste a imaginés pour restituer le monde en noir et blanc. On prend ainsi toute la mesure de la virtuosité de son geste et de son extraordinaire créativité.

Dialogue avec Elger Esser

Elger Esser est un artiste photographe franco-allemand né en 1967, présent dans les plus grandes collections telles que le Guggenheim à New-York et le Rijksmuseum à Amsterdam. Avec sa chambre photographique, il sillonne de nombreux pays photographiant et répertoriant des paysages intemporels où ni la figure humaine, ni son empreinte ne sont visibles.
Il nourrit son travail d’inspirations littéraires (Proust, Flaubert ou Maupassant) et picturales du XIX^e siècle. De ce siècle, il tire aussi les techniques qu’il expérimente et réinvente : héliogravure, impression sur cuivre.

L’aspect expérimental de son œuvre fait directement écho aux recherches de Rembrandt sur les eaux-fortes. On constate aussi des affinités plastiques entre eux : jeux de lumière, étagement des plans horizontaux et verticaux, cadrages qui laissent une large place aux zones claires ou, à l’inverse, obstruent le regard…

Disséminées dans le parcours d’exposition, les photographies sur cuivre d’Elger Esser révèlent la capacité des eaux-fortes de Rembrandt à entrer en résonance avec les expressions artistiques contemporaines et, de fait, de porter un regard neuf sur l’œuvre de celui qui vivait il y a quatre siècles.

« Rembrandt en eau-fort »
Jusqu’au 24 septembre 2023
Musée d’Art moderne de Fontevraud
Place Plantagenet
49590 Fontevraud-l’abbaye
fontevraud.fr  /  @fontevraud
elger-esser.com  / @elger.esser

Alors qu’elle s’apprête à dévoiler sa dernière série sur la masculinité réalisée dans le cadre de la Grande commande photographique du ministère de la Culture portée par la Bibliothèque nationale de France, Camille Gharbi revient sur son parcours de près de dix ans de photographies. En ligne de mire, son livre « Ce qui reste, ceux qui restent » restituant un travail réalisé dans le cadre d’une résidence sur l’immeuble Tisserand à Bogny-sur-Meuse (Ardennes).

Diplômée en architecture à 24 ans, après avoir travaillé quelques années en agence, en 2014 vous décidez de vous consacrer à la photographie. Comment s’est opéré ce tournant ?

En effet, je n’ai pas de formation en beaux-arts ni en école de photo mais j’ai toujours fait de la photographie et du dessin, avec l’idée de représenter le monde – par des croquis de voyage, de la photo urbaine, etc. Progressivement, ces pratiques ont pris de plus en plus de place et j’ai commencé à développer des petites séries. C’est devenu un moyen d’expression, une façon de réfléchir sur le monde. Dès l’origine, il ne s’agissait pas simplement de témoigner mais d’affirmer un point de vue, ce que je ne pouvais pas faire en architecture. Mais à y regarder de plus près, ces métiers ont des points communs, dans les deux cas il s’agit d’un travail sur la lumière et la composition. Et il n’est pas si rare que des architectes deviennent photographes, comme le prouvent Reza et Gabriele Basilico.

La bascule s’est-elle faite aisément ?

C’était l’idée de trouver ma place. J’imagine que ce sont des questions que l’on se pose quand on entre dans l’âge adulte et dans la vie professionnelle… J’ai dû faire une crise de la trentaine ! Ce changement s’est fait à force de détermination et de beaucoup de travail. J’avais bien conscience que vivre de la photo serait compliqué. Du coup, j’ai trouvé logique de me servir de mon expérience dans l’architecture et, étonnamment, cela m’a permis de gagner ma vie assez rapidement. Ce n’est pas forcément le style de photo qui m’intéressait car j’étais déjà attirée par le reportage documentaire mais je n’avais pas les moyens de faire une formation. J’ai donc appris sur le tas, notamment avec des photographes, comme Frédéric Delangle, que j’ai pu suivre en prise de vue. Aujourd’hui, parallèlement à l’architecture et mes travaux personnels, je travaille aussi pour Le Monde et Télérama.

Vous choisissez des sujets sociétaux qui suscitent le débat : les migrants, les féminicides, la masculinité… Vous considérez-vous comme une photographe engagée ?

Oui, c’est un terme qui me convient. Je travaille sur des sujets qui me touchent personnellement ou liés à des expériences vécues. Je trouve très dur d’être témoin des choses et de ne rien faire… Je les aborde de manière plasticienne pour tenter de couvrir un champ large de réflexions, de mener une analyse profonde, de susciter des questionnements… Je pense que l’art a une dimension politique parce qu’il permet de transformer les choses, même si ce n’est que de manière infime. Pour moi, la photographie est un mode d’action, ce qui ne m’empêche pas d’apprécier les œuvres purement poétiques.

La série sur la jungle de Calais (2016-2017) constitue un tournant car vous passez d’une écriture documentaire classique à un vocabulaire formel original. S’agit-il de dépasser le simple constat ?

Avec « Lieux de vie », je mets pour la première fois en adéquation discours et forme. J’en ai ressenti la nécessité quand je me suis retrouvée face aux images qui, à l’état brut, ne reflétaient pas ce que j’avais perçu à Calais. Et je voulais éviter de donner une image misérabiliste de cet endroit. À ce stade, le lieu était à moitié rasé. Ne subsistaient que quelques constructions qui témoignaient de la vie sociale qui s’était développée, avec des bâtiments convertis en bibliothèque, école, église orthodoxe, etc. Les mots inscrits sur les murs étaient pour moi comme des cris. Mon but était qu’on les regarde attentivement. C’est la raison pour laquelle j’ai utilisé le détourage pour les extraire de leur contexte. Cela permet de susciter la curiosité, car à première vue on ne sait pas ce qu’on regarde. Et cela oblige ensuite à se concentrer sur les architectures, à lire les inscriptions, etc.

Quel regard portez-vous sur les images produites aujourd’hui ?

Je me demande bien sûr ce que je peux apporter de plus… L’image est partout. De mon côté, j’en fait assez peu car je m’interroge : comment fait-on pour passer d’une logique de consommation de l’image à un regard attentif ? En ce qui me concerne, je ne cherche pas le sensationnalisme. Je fais le constat que les images violentes ne m’aident pas à réfléchir, qu’elles n’agissent pas sur moi. Je pense même que leur multiplication crée davantage une forme d’accoutumance qu’un éveil des consciences.

« Preuves d’amour » (2018) exposée en 2019 au festival Circulation(s) marque un nouveau virage. Comment est née l’idée d’aborder le thème des féminicides à travers une série de natures mortes d’objets du quotidien ayant servi à tuer ?

Comme souvent, mon travail commence par une enquête et de nombreuses lectures. Un article de presse sur les violences faites aux femmes faisant référence à un féminicide commis au cutter m’a interpelée. D’autant plus que c’est un outil qui m’est familier, en tant qu’architecte. J’ai creusé le sujet et je suis tombée sur une association menant un remarquable travail de recensement et de documentation sur la manière dont ces crimes sont perpétués. Entre 2016 et 2017, j’ai étudié plus de 256 cas de meurtres. Ce travail de fond qui s’apparente à une véritable immersion faisait écho à ma vie personnelle puisque j’étais alors enceinte d’une petite fille. Il faut vivre avec ces histoires ! Et dans mon entourage, j’ai été témoin d’événements liés à ce sujet. À travers mon enquête, j’ai mesuré l’ampleur du phénomène… J’ai constaté que bien souvent les armes utilisées sont des objets du quotidien ordinaires, à portée de main. J’ai donc décidé de les photographier en jouant sur le contraste entre une esthétique douce des images et ces objets a priori inoffensifs qui pourtant sont devenus des armes meurtrières.

Dans le deuxième volet de « Preuves d’amours », vous donnez la parole à des hommes coupables de violence, une démarche audacieuse. Comment avez-vous procédé ?

J’ai mis du temps à trouver les bonnes personnes et le juste équilibre entre accusation et victimisation, au moins six mois de préparation. J’ai eu des échanges avec des experts médicaux, des psychiatres, des médecins légistes, des professionnels du monde carcéral, des avocats, etc. Les prises de vues ont été réalisées dans deux prisons différentes, dans des parloirs ou dans des salles d’activité. J’ai choisi des hommes menant un travail de remise en question. Et pour ne pas les valoriser, je ne montre pas leur visage.

Dans quel contexte l’ouvrage « Ce qui reste, ceux qui restent » sur l’immeuble Tisserand, à Bogny-sur-Meuse, a-t-il vu le jour ?

Cette série a été réalisée dans le cadre d’une résidence artistique à l’initiative du bailleur social HABITAT 08 en partenariat avec l’association de photographie contemporaine La Salle d’Attente. Au départ, le livre n’était pas prévu. C’est une initiative de Benoît Pelletier des Editions Process, dont c’est le premier ouvrage. Il a conçu la maquette à partir d’un editing que j’ai effectué avec Raphaële Bertho. Historienne de la photographie spécialiste de la représentation du territoire, elle avait déjà travaillé sur mon précédent ouvrage. Elle a signé également un des textes de « Ce qui reste, ceux qui restent ».

En quoi ce projet se distingue-t-il de vos précédentes séries ?

Comme il a été effectué dans le cadre d’une résidence, j’ai travaillé sur un temps court, ce qui est inhabituel pour moi. Autre différence, ce n’est pas une série répétitive, contrairement à celles que nous avons évoquées précédemment. Et bien que je ne sois restée que deux semaines sur place, il y a de nombreux types d’images : portraits, paysages, vues d’intérieurs d’appartements, des parties communes de l’immeuble… Soit un ensemble complexe bien restitué dans le livre auquel s’ajoutent les témoignages oraux que j’ai recueillis auprès des derniers habitants de ce logement social voué à la destruction. Ces destins individuels nous ramènent à une histoire collective. À travers les histoires singulières il y a toujours des choses qui nous concernent tous, c’est pour cela qu’on peut s’identifier.

Pourquoi avoir transformé certaines images ?

J’ai eu recours à la surimpression mêlant portraits et paysages afin de mettre les habitants en valeur, de les transcender d’une certaine manière. Et aussi afin d’être fidèle à leur témoignage faisant souvent référence à la nature environnante. Car nombreux sont ceux qui ont évoqué le cadre idyllique autour du bâtiment, avec la rivière, les arbres, etc. Par ailleurs, il y a deux types de paysages, ceux captés depuis les parties communes à travers les fenêtres et ceux réalisés à l’extérieur. Pour les premiers, il n’y a pas de transformation. J’ai fait la mise au point sur la crasse présente sur les vitres – qui n’ont sans doute pas été lavées depuis des décennies –, pour signifier l’abandon, si bien que les paysages sont flous. Et pour les seconds, j’ai retourné l’image. Ainsi, le reflet des arbres dans la rivière se retrouve en haut de l’image. Et j’ai retravaillé la chromie pour accentuer la singularité de ce cadre qui est à la fois ‘pauvre’ et beau, familier et étrange. C’est aussi une façon d’exprimer l’inversion du cours de l’histoire et l’amertume des habitants face à leur vie, étant contraints de quitter les lieux.

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@camille.gharbi

Au printemps, sera dévoilée à l’Abbaye royale de Fontevraud la cloche réalisée par l’artiste Paul Cox. Ce sera la quatrième de ce programme audacieux mêlant art campanaire et contemporain.

On dit souvent d’un artiste – par paresse – qu’il est « inclassable ». À bien y réfléchir, s’il est un peu facile, le qualificatif vaut pourtant pour Paul Cox, graphiste et artiste plasticien atypique dont le travail est reconnu dans bien des domaines. Parallèlement à la peinture, il produit en effet des livres pour les enfants, des affiches, des illustrations de presse, des logos, et beaucoup d’autres objets qui ont à voir avec le design. Il est aussi le concepteur de scénographies d’exposition, de projets de communication culturelle ou encore de décors et costumes pour l’opéra (Paris, Genève, Nancy…). Cet autodidacte, formé en histoire de l’art et en littérature anglaise, utilise les images qu’il crée comme des mots, développant des dispositifs d’apparence simples mais dont la sophistication se révèle au fil de leur accumulation. Ainsi se construit un langage graphique singulier, figuratif et coloré, empreint de poésie et de symbolisme. Et l’on devine ici l’attachement qui le relie consciemment, par sa production dans ce domaine, et sans doute inconsciemment, au monde de l’enfance, à celui du jeu, de l’agencement permanent des choses, de l’imaginaire fertile et sans limites.

La construction de ses images est bien plus complexe qu’il n’y paraît. L’artiste lit, se documente, dessine, crayonne, reprend, avant que ne surgisse la forme finale. Des dizaines d’esquisses précèdent ici l’œuvre qui sera révélée. Celui qui dit percevoir le monde comme « un vaste collage, une collection de jeux de construction », procède souvent de la sorte. Chaque dessin / objet est alors découpé, manipulé, posé, repris avant d’être collé. Paul Cox joue des superpositions, change de cadre, d’angle, et compose tel un musicien une partition d’images justes et signifiantes. En cela, tout en recherchant cette « justesse », il cède volontiers à l’accident, à l’heureux hasard et à l’improvisation. Il y a dans son œuvre une dimension légère, presque enfantine, où affleure l’humour et la poésie, sans que le sens, et une certaine gravité, ne s’en détachent. C’est là tout l’art de Paul Cox, un artiste capable avec la même cohérence de réaliser les affiches de plusieurs théâtres et des livres pour enfants, de concevoir un mobilier-jeu pour le Centre Pompidou ou les décors du chorégraphe Benjamin Millepied.

C’est en 2006 qu’il crée un jeu de piste spécialement conçu pour l’Abbaye royale de Fontevraud, non loin de Saumur (Maine-et-Loire). Utilisant des détails de l’architecture, il inaugure ainsi une collection originale de carnets de visite d’artistes que viendront nourrir ensuite des collaborations avec Ange Leccia, François Place, Kveta Pacovska… Il y est revenu en 2013 pour une exposition, « Paysage », qui mettait en relief une autre dimension importante de sa recherche en dessin et en peinture, son rapport à la nature, aux forêts, au cycle des saisons. Un lien ténu l’associe à cette abbaye fondée au XIIe siècle par Robert d’Arbrissel, qui abrite les gisants d’Aliénor d’Aquitaine et de son fils Richard Cœur de Lion, qui fut une prison – Jean Genet y fut incarcéré – et est devenue un centre culturel de rencontres.

Lorsqu ’ Emmanuel Morin, le directeur artistique de l’Abbaye royale, lui propose de réaliser une cloche, la quatrième du programme campanaire qu’il porte, Paul Cox lui répond « oui, sans hésiter, sans connaître non plus la complexité technique d’un tel projet ». Il imagine alors une spirale se déroulant sur sept niveaux pour y porter un récit en images, « à l’image de la colonne de Trajan ou de la tapisserie de Bayeux ». Sur le projet final, on découvre donc un double mouvement en spirales ascendantes s’entrelaçant jusqu’au somment du cône. Les personnages et figures viennent d’être réalisés en cire et reportés sur ce qui deviendra le moule en négatif de la future cloche. « J’ai pensé à ce mouvement ascendant pour matérialiser l’élévation spirituelle propre à la vie monastique », souligne Paul Cox, encore émerveillé par la semaine qu’il vient de passer, les mains dans la cire, au sein de la fonderie de cloches Cornille Havard, à Villedieu-les-Poêles (Manche). On retrouve dans cette procession de figures des éléments de l’architecture de l’abbaye, l’évocation de la vie agricole qui l’entourait mais aussi plusieurs références à la vie de l’abbesse dont le nom sera attribué à cette nouvelle cloche : Gabrielle de Rochechouart. « Une femme remarquable, la sœur de Madame de Montespan, très lettrée pour son temps, omniprésente à la cour de Louis XIV et dans ses intrigues. Elle était aussi polyglotte, c’est pourquoi j’ai apposé dans le cheminement de la spirale une Tour de Babel », explique l’artiste. D’autres symboles figureront sur la cloche, « pour témoigner par exemple, de ce qui peut faire obstacle à l’élévation ». Pour ce projet, Paul Cox entend « faire cohabiter la vie spirituelle et la vie séculière, les grandes lignes du paysage de cette région (les forêts, la vigne…), quelques éléments sculptés de l’art roman, mais aussi ces figures populaires, cocasses et naïves que l’on retrouve parfois sur les chapiteaux des églises ». Le Roi Soleil est ainsi présent sur la frise avec, à ses côtés… un cochon. Dans cet imagier, tout fait symbole, même le mouvement en spirale qui évoque une portée musicale. Chaque figure a été réalisée séparément par Paul Cox, puis apposée sur le futur moule à la manière d’un bas-relief. « Tout est à plat, en légère élévation de deux millimètres par rapport au corps de la cloche, comme contre-découpé. » Au-delà de cette faible épaisseur, il n’aurait plus été possible d’accorder la cloche dans de bonnes conditions. « Il y a dans cette découpe et cette pose, un côté ‘un peu mal fait’ qui me plait bien, des jointures imparfaites qui rendent l’ensemble plus vivant, s’amuse Paul Cox. J’ai appris le travail de la cire, et je dois dire que cela m’a passionné. » Il reste encore quelques semaines à patienter avant de voir le résultat final de ce travail.

« Un projet d’artistes pour raconter autrement le patrimoine »
Emmanuel Morin, Directeur artistique de L’Abbaye royale de Fontevraud

Voici cinq ans, Emmanuel Morin, le directeur artistique de l’Abbaye royale de Fontevraud, s’est vu proposer un défi par ses partenaires de la Région des Pays de la Loire. Il devait faire feu de tout bois pour proposer « une autre manière, plus patrimoniale, de raconter le monument ». La tâche est passionnante, mais complexe. L’histoire de l’abbaye est riche, l’ensemble architectural est très vaste, témoignant de plusieurs époques de construction, il peut y faire froid… « Ma première intuition a été de me dire que nous devions absolument confier le soin de ce nouveau récit à des artistes d’aujourd’hui. C’était une évidence » se souvient celui qui, à travers des expositions, performances et spectacles, confère une âme à ce lieu de vie et de culture. Il imagine alors « la chambre des cloches », dans laquelle il entend réinterroger l’histoire d’une abbaye où plus aucune cloche n’a résonné depuis la Révolution française. Une première cloche voit le jour en 2019, une commande artistique passée à Nicolas Barreau et Jules Charbonnet. Les deux designers et plasticiens nantais collaborent régulièrement avec l’abbaye, ils imaginent dans le même temps un dispositif permettant sa mise en scène visuelle et sonore dans le parc. Le succès est immédiat, le public se passionne pour cette cloche accessible à tous dans l’aire qui lui est réservée, derrière le chœur de l’église abbatiale. Trois autres cloches, confiées à des artistes, ont été depuis réalisées. Pour chacune d’elle, le directeur artistique fait le choix « d’un ou d’une artiste qui a un lien fort avec Fontevraud, avec le souci de varier les talents et les expressions plastiques ». Éclairant sa volonté de faire appel à Paul Cox, il ajoute : « J’aime la fraîcheur du trait de Paul Cox et l’intelligence qu’il a face au sujet. Paul développe un propos intellectuel toujours très dense ».

« Certains visiteurs reviennent chaque année, d’autres vont même sur le site de la fonderie, en Normandie. Et l’on commence à me solliciter d’un peu partout en France et en Europe car ce programme de six cloches commandées à des artistes par un monument public est absolument unique. » À terme, les six cloches qui ne pourront pas être installées dans le clocher du XIIIe siècle de l’Abbaye royale, trop fragile, le seront « dans une chambre des cloches imaginée ad hoc, pour que l’on puisse les voir et les entendre ». Des sonneries à certains moments de la journée, des concerts de cloches, des commandes passées à des compositeurs, plusieurs pistes sont sur la table. Pour l’heure, au printemps prochain, c’est la cloche réalisée par Paul Cox, et qui pèsera au bas mot 1,2 tonne, qui rejoindra sur les pelouses de Fontevraud celles de Nicolas Barreau et Jules Charbonnet, François Réau et Makiko Furuichi.

Abbaye Royale de Fontevraud
49590 Fontevraud-l’Abbaye
fontevraud.fr
instagram.com/fontevraud

Process démarre ici un compagnonnage complice avec le podcast « Écoutez voir » de la journaliste spécialiste de la photo Brigitte Patient, produit par WAVE.AUDIO. Dans l’épisode 5, Brigitte Patient rencontre Corinne Mercadier. L’idée de ce compagnonnage : qu’en voyant ces images, vous écoutiez leur échange, et inversement.

Retrouvez l’interview de Corinne Mercadier par Brigitte Patient dans l’épisode 5 de son podcast « Écoutez voir », disponible ici.

Depuis les débuts de sa pratique artistique, dans les années 80, Corinne Mercadier développe une œuvre expérimentale unique, croisant la photo, le dessin, la peinture sur verre, le travail en volume, la mise en scène. Qu’elle ait recours à l’argentique ou au numérique – qu’elle privilégiera à partir de 2008 –, elle fait montre d’un imaginaire extrêmement fertile et d’une capacité à repenser les contours de son médium de prédilection, la photographie. Corinne Mercadier fait se côtoyer réel et fiction pour nous proposer des scènes relevant d’une « autre réalité » – poétique.
Au cours de 40 ans de création, l’artiste est devenue une référence. Lauréate du Prix de Photographie de la Fondation des Treilles en 2018, finaliste du Prix de l’Académie des Beaux-Arts Marc Ladreit de La Charrière en 2013, son travail a fait l’objet de nombreuses expositions personnelles dont la dernière en date à la galerie Binome, qui la représente.
On peut aussi trouver ses œuvres dans les collections du Musée de l’Élysée, à La Maison Européenne de la Photographie, ou encore à la Bibliothèque Nationale.

corinnemercadier.com
brigittepatient.com/ecoutez-voir
galeriebinome.com
www.wave.audio

Brigitte Patient, c’est d’abord une voix. Une voix chaude, assez basse, qui dès les premières paroles pose un climat, de calme et d’ouverture. Ici, on va prendre le temps. Un temps curieux et gourmand. Depuis plus de 30 ans, elle se livre à un pas de deux avec la photo, une danse légère qui la porte, dans un aller et retour constant, de valeurs sures en découvertes, d’étonnements en admiration. Au fil de son voyage, la visiteuse curieuse des premiers temps s’est peu à peu muée en guide avisée d’un petit monde qui, comme tous les autres, a ses personnalités, ses moments, ses usages… Au fil de ses émissions, elle s’en est peu à peu fait l’interprète, la passeuse, et patiemment, elle a trouvé sa place en tissant des liens entre le public et lui.

C’est le parcours d’une gamine du Berry, qui s’ennuyait plutôt et qui, à la faveur de visites chez un cousin parisien, découvre, les yeux grands ouverts, le plaisir de se plonger dans le vertige culturel de la capitale. Parmi tous les champs qu’elle explore : l’image fixe et la magie de ses potentiels imaginaires, hors champs visuels et temporels. Ça restera.

Jeune femme elle devient institutrice, mais lorsqu’un de ses profs, dont elle découvrira bientôt qu’il est directeur d’une radio à Bourges, lui demande de faire des voix, elle est… assez séduite par ce qu’elle entend en s’écoutant, et, sent très vite que ça va être son truc. Elle mène de front pendant quelques années son travail d’institutrice et ses activités grandissantes à la radio pour finir par démissionner de l’éducation nationale et « monter à Paris ».
On est au début des années 80 et entre les remplacements qu’elle a l’occasion de faire, elle enrichit sa culture et alimente sa curiosité en fréquentant les galeries, qui curieusement, l’intimident moins que les musées. La photo a de plus en plus sa faveur, et ça ne va pas ralentir. Elle rejoint ensuite une radio suisse, station Couleur 3, dans laquelle elle fait vraiment ses armes avec, pour la première fois, un poste fixe, et en quatre ans, un vrai apprentissage. Elle la quittera quatre ans plus tard (1990) pour revenir à Paris et, d’abord testée sur la grille d’été, elle est finalement engagée à France Inter à la rentrée de la même année.

Elle animera et produira dans les années suivantes un assez grand nombre d’émissions, avec toujours, papillonnant dans sa tête, l’idée de faire quelque chose autour de l’image fixe. À partir du début des années 2000, elle propose chaque saison un projet d’émission autour de la photo qui finira par être accepté en… 2012. Elle aura fini par venir à bout du reproche récurrent qu’on opposait à son projet : « Ça n’a pas de sens de faire une émission sur l’image à la radio ! » On en fait bien sur le cinéma… Elle démontrera les années suivantes, au fil des différentes formes que prendra l’émission, que c’était possible. Et même carrément passionnant.

Regardez voir
« Regardez voir » c’était la seule émission sur la photo à la radio. Et pas n’importe laquelle. Avec une émission sur France Inter, c’était la photo dans un « grand média ».

Pour la première fois était donnée l’occasion de raconter au grand public ce qu’était la photo de notre temps. On y parlait de la photo envisagée en tant qu’art (une idée pas si installée que ça) qu’elle qu’en soit l’approche.
Les aspects techniques, sans être occultés, n’étaient envisagés que dans la mesure où ils jouaient un rôle particulier dans le projet évoqué. Quant à la mise en opposition de pratiques amateurs et de pratiques professionnelles – qu’on retrouvait beaucoup dans la presse spécialisée – elle était totalement absente sur ces ondes. Bref, une approche assez fraîche, plutôt en rupture avec l’idée de la photo dans les médias. « Regardez voir », c’était aussi le prestige de France Inter, la grande radio publique généraliste. Passer dans l’émission était un peu le Graal pour un photographe, une forme de validation à côté de celle du public, des institutions, du marché…

Enfin – surtout – « Regardez voir » était aussi une émission qui écoutait les photographes, qui leur donnait la parole. Curieuse de ce qu’ils avaient à dire, plastiquement, conceptuellement, poétiquement… Avec une vraie curiosité et l’envie de transmettre.

La voix de la photo
Au fil de toutes ces interviews et de ces rencontres, elle a progressivement acquis un statut particulier que personne d’autre ne semble avoir incarné de manière si nette : au terme d’environ 500 interviews, elle est un peu devenue « la voix » de la photo. Quand l’émission s’est arrêtée, des envies de pétitions se sont même faites jour. Elle a préféré les réfréner les jugeant vaines et contreproductives même si elle a été touchée au plus profond et assez sidérée en mesurant la place qu’elle avait prise dans ce petit milieu.

Aujourd’hui le paysage a changé et les grands médias nationaux ne dominent plus l’espace médiatique : il n’y a plus d’émission sur la photo dans un grand média mais les sites qui s’y intéressent directement ou indirectement se comptent en assez grand nombre, la presse papier chemine sur les voies parallèles que sont précarité et génération spontanée de titres indé. Les réseaux sociaux ont démultiplié la potentielle visibilité des photographes (ainsi que celle de leurs commentateurs) mais avec une telle puissance que leur nombre les maintient pour leur majorité dans une forme d’anonymat.
Enfin, les podcasts ont fait florès, avatars vertueux de la delinéarisation des médias autorisant le temps long et l’introspection, avec, sur le papier, un minimum de moyens nécessaires.

Dans le même temps, le réflexe du turn-over, corollaire d’un contexte dont les contours se floutent, a conduit France Inter à se séparer de Brigitte en 2019. Plutôt brutalement, ce qui n’est pas sans laisser de traces, ôtant ainsi au monde de la photo français son meilleur porte-voix.

Pourtant, quand on la rencontre, on est frappé par son absence d’amertume.
Et ce qui touche surtout, c’est que sa curiosité, son enthousiasme, et son envie de raconter, sont totalement intacts. Quelques mois de respiration, et de nouvelles perspectives semblent même lui avoir apporté une énergie supplémentaire. Il faut dire que les projets sont nombreux. Manifestement son nom évoque toujours quelque chose et quand elle a décidé de réapparaître les propositions se sont multipliées.

Elle a complètement pris le virage de l’atomisation des médias et se compose aujourd’hui une vie professionnelle qui place toujours la rencontre avec le photographe au centre de son activité. En y ajoutant des développements naturels, mais à son compte, cette fois. Elle donne ainsi des interviews en public, anime des ateliers médias, donne des conférences. Elle réalise aussi une série d’interviews filmées pour la Villa Pérochon « Question d’images », ainsi que « La scène photographique » qui est une émission réalisée dans les conditions du direct : un entretien ponctué de musiques, de sons de lectures, avec un générique, des invités… Il y a aussi ce format très léger, qu’elle affectionne, « Sur le vif » une petite interview d’une dizaine de minutes diffusée sur son site. Enfin, elle est devenue vice-présidente du pôle photographique Stimultania, pour lequel elle s’engage beaucoup et qui lui procure une certaine fierté. Bref, ça foisonne.

Mais son gros sujet, le cœur de son réacteur (le réacteur de son cœur ?), c’est son podcast « Écoutez voir » qui marche dans les traces de son émission phare « Regardez voir ».

La passeuse
Et c’est une vraie madeleine que de retrouver son timbre dans ce récent podcast. Aux premiers sons, tout ce qui fait le charme de ses émissions est là : le climat si particulier installé par son débit calme et souriant, la façon dont elle pose les silences en ayant l’air de dire « on a le temps », et cette voix, qui écoute. Et bien sûr l’ensemble reste bâti sur le socle qu’est sa capacité à faire se raconter les photographes et à nourrir la curiosité de l’auditeur.

Rien n’est imposé, tout est posé. En douceur. Et en premier lieu les images, dans lesquelles elle se promène en nous prenant par la main au cours de descriptions sensibles. L’ouverture, la bienveillance (la vraie, pas celle livrée avec la panoplie des postures modernes) et l’humilité transpirent de ses propos. L’autorité définitive du « sachant » n’a pas sa place ici, pas plus que l’entre-soi de ceux qui feraient parti du club tandis que les écouteraient ceux qui n’en feraient pas parti. En donnant la parole au photographe, elle se place du côté de l’ignorant ou plutôt du « découvrant ou du curieux », ce qui participe sans aucun doute de l’affection que lui portent les amateurs de photo et donc les photographes, et inversement.
Brigitte s’est entourée dans cette aventure d’une équipe de professionnels, ceux du studio de podcast wave.audio : Lucile Aussel (réal.), Isabelle Duriez (prod.) et bien sûr, Thomas Baumgartner, un ancien de Radio France et cofondateur de wave.audio. Il s’agit d’offrir aux auditeurs l’expérience qui permet de découvrir au mieux l’univers de l’invité et de favoriser son appréhension par le public. Elle sait que sa place est sans doute là, à la jonction de ces deux univers, et que son meilleur rôle est d’en ouvrir la porte. Une passeuse.

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À l’heure de fortes interrogations sur la surconsommation dans nos sociétés, l’exposition « Des Objets et des Hommes » questionne la place spécifique qu’occupe l’objet artistique dans la production matérielle. Que signifie faire, créer et comment l’art nous amène-t-il à reconsidérer le monde qui nous entoure ? À Reims, le Cellier présente deux solo shows, « Fantômalisa » de Laurent Le Deunff et « On dirait que quelqu’un joue du piano quelque part » de l’artiste émergente Juliette Mock ainsi qu’une étonnante série de photographies de l’artiste catalan Joan Fontcuberta, qui invitent à réfléchir sur notre rapport aux objets.

Quoi de commun entre les sculptures décalées de Laurent Le Deunff, les installations de Juliette Mock et l’« Herbarium » de Joan Fontcuberta ? Ils nous parlent des choses, de leur représentation et du rapport que nous avons avec elles. « De tous temps, l’homme a fabriqué des objets. L’homo ‘fabricus’ a existé avant l’homo sapiens, souligne Elsa Bezaury, commissaire de l’exposition, mais quelle est la spécificité de l’objet d’art ? Nous avons voulu mettre en perspective trois points de vue différents, trois artistes qui ont pris la fabrication d’objets comme point de départ de leur démarche artistique. »

« Fantômalisa » de Laurent Le Deunff
L’exposition s’ouvre sur un solo show de Laurent Le Deunff. Artiste majeur de la scène contemporaine, ce sculpteur et dessinateur crée, depuis une vingtaine d’années, des sculptures et des installations aux allures de cabinets de curiosité. Une œuvre singulière, inspirée de la nature et peuplée d’animaux en tous genres, qui renvoie à une forme d’archéologie imaginaire, à des mythologies ancestrales. L’artiste dévoile ici un corpus d’environ 80 œuvres, réunies sous le titre énigmatique de « Fantômalisa ».
« Je suis parti de Fantômas, personnage de roman adoré par les Surréalistes, pour arriver au verbe ‘ fantômaliser ’ qui signifie rendre spectral, explique Laurent Le Deunff. Dans cet espace souterrain, j’avais envie de réaliser une sorte d’inventaire de ce que j’ai pu produire ces dix dernières années, de convoquer les fantômes de mes propres œuvres dans une atmosphère inspirée du film Fog de John Carpenter. Les murs et les socles sont ainsi entièrement enduits d’une peinture évoquant le brouillard. » Dans ce paysage monochrome, le Cellier se transforme en une mystérieuse galerie de l’Évolution où l’on retrouve des sculptures étonnantes, créées à partir des matériaux les plus divers, allant du bronze au bois, du marbre au papier mâché. Dans la grande tradition de la sculpture animalière, des écureuils, escargots, dauphins, hippocampes et souris trônent sur leurs socles tandis que des totems, des espèces de fossiles plantés sur des piques et autres objets rituels évoquent les traces d’une ancienne civilisation. « En reprenant les codes d’exposition des musées d’anthropologie, l’artiste sacralise les objets présentés, nous dit qu’il y a là quelque chose de précieux et de rare » souligne Elsa Bezaury. Mais, à y regarder de plus près, les choses suggèrent autre chose que ce qu’elles prétendent être. Jouant sur les échelles, sur les décalages entre les matériaux utilisés et les sujets représentés, Le Deunff cultive l’art du détournement. C’est justement à ce moment-là que la magie opère, lorsque l’on découvre que cette relique est en réalité un chewing-gum taillé dans la pierre, que les os sont en albâtre, que les coquillages sont en papier mâché, révélant ainsi leur aspect fabriqué. Ces anachronismes font basculer l’imaginaire vers un monde onirique, plein de surprises et d’humour. En miroir, une série de dessins minutieux d’ateliers d’artistes, habités par des chats, dialogue avec les sculptures. « J’avais constitué une collection de photos de mon chat posant parmi mes œuvres en cours de réalisation. Ces images me faisaient penser au livre Le Mystère des chats peintres : bien que ce soit irrationnel, j’aimais l’idée que l’on puisse penser que le chat avait lui-même fait mes sculptures… » explique Laurent Le Deunff.
Par le biais de ces dessins à l’aspect délicieusement suranné, l’artiste questionne l’origine de ses œuvres, invente une autre temporalité tout comme dans ses dessins très réalistes d’empreintes d’animaux qui n’existent pas.

Les choses selon Juliette Mock
L’exposition se poursuit avec « On dirait que quelqu’un joue du piano quelque part » de Juliette Mock. Cette artiste émergente, diplômée de l’ESAD de Reims en 2016, s’empare de l’objet pour pointer les dérives de notre société matérialiste. Directement inspirée par Les Choses de Georges Perec qui, déjà dans les années 60, épinglait les mécanismes de frustration qu’engendre la frénésie consumériste, Juliette Mock porte un regard aussi aiguisé que poétique sur nos obsessions contemporaines. L’artiste collectionne elle-même des papiers, des imprimés, des bouts de choses, dans lesquels elle puise son inspiration pour créer des récits qui font sens. Les deux séries autour du petit-déjeuner s’appuient ainsi sur des images publicitaires d’hôtel, censées exprimer un idéal de bonheur. La légèreté du trait dans ces dessins est souillée par des traces de feutres, violemment écrasés sur le papier, tel le signe rageur de la vacuité qui pointe derrière les clichés. Juliette Mock opère aussi un parallèle intéressant entre la surconsommation d’objets et l’accumulation d’images. Nous faisons aujourd’hui avec les images ce que nous faisons avec les objets : consommer, de plus en plus, avec de moins en moins de qualité. Dans la course effrénée aux selfies et la prolifération des réseaux sociaux, c’est le même phénomène de consommation qui est à l’œuvre. Ce qu’illustrent la vidéo « Afterglow » et la pièce sonore « On dirait que quelqu’un joue du piano quelque part », qui empruntent aux codes des youtubeurs et instagrameurs pour souligner toute la banalité de ces productions.

Démêler le vrai du faux…
Enfin, une dernière section présente la série photographique « Herbarium » de Joan Fontcuberta, prêtée par le FRAC Champagne-Ardenne. L’artiste catalan y reprend les codes des herbiers scientifiques pour représenter des plantes photographiées avec soin, en argentique, sur un fond neutre. Malgré l’impressionnante exactitude des formes, un étrange sentiment s’empare assez vite de l’observateur. Car, dans ce travail, tout est faux. L’artiste récupère des détritus pour fabriquer des végétaux imaginaires qu’il photographie en parodiant les postures documentaires. Cette série datant du début des années 80 est la première de nombreux autres projets dans lesquels Fontcuberta ne cesse de démystifier l’idée d’une objectivité photographique. À l’heure du fake généralisé, cette façon ironique de se jouer de la réalité et de la fiction permet de dénoncer la manipulation cachée sous les images et d’éveiller le sens critique.
« Favoriser la prise de conscience, c’est tout l’enjeu de cette exposition qui invite à prendre le temps de réfléchir à cette matérialité qui nous entoure, au lien entre matière et pensée, poursuit Elsa Bezaury. L’art n’a pas besoin de parler directement d’écologie, d’être illustratif, pour aider à la prise de conscience de ce qu’est le phénomène de l’anthropocène, à savoir la complète intégration de l’homme dans son environnement, à la fois agissant et soumis à ce système global. Ce sentiment d’appartenance à un tout est indispensable pour construire une pensée écologique. » En ce sens, « Des Objets et des Hommes » ouvre un champ de réflexion plus politique qu’il n’y paraît…

« Des Objets et des Hommes »
du 07/12/22 au 25/02/23
mer. > dim. de 14h à 18h (Fermeture du 24/12/22 au 03/01/22)
Le Cellier 4 bis rue de Mars, 51100 Reims – entrée libre
infoculture-reims.fr ; reims.fr
laurentledeunff.fr
Laurent le Deunff est représenté par la galerie Semiose (semiose.com)
instagram.com/juliettemock

Image de une: Laurent Le Deunff, Tigre-Raie, 2016 © Jean-Christophe Garcia / courtesy Semiose, Paris