4000m². Une centaine de concerts par an. Entre poids lourds de la scène internationale et artistes émergents ; bangers du rap français et riffs déchaînés. La Cartonnerie, à Reims, est un lieu de grande mixité, où se croisent des esthétiques de tous horizons. Mais c’est aussi un lieu d’accueil et d’accompagnement, où musiciens amateurs et confirmés viennent pratiquer, répéter, résider. Rencontre avec Guillaume Gonthier qui pilote, en coulisses, cette ruche dédiée à la jeune création musicale.

_Guillaume, en préambule de notre échange, pouvez-vous nous rappeler la vocation de La Cartonnerie ?
La Cartonnerie est une salle de concerts rémoise qui existe depuis 2005. Elle est dotée du label national “Scène des Musiques Actuelles” (SMAC), ce qui suppose trois grandes missions : d’abord, celle de défendre et de diffuser toutes les esthétiques musicales ; ensuite, celle de mener une politique d’action culturelle auprès de tous les publics ; et enfin, celle d’accompagner la création artistique et la scène locale.

_Ces missions sont donc constitutives de votre ligne éditoriale. Sont-elles pour autant bien identifiées du grand public ?
C’est là tout notre travail : les faire connaître au plus grand monde ! Quand j’ai commencé ma carrière dans ce milieu, il y a une quinzaine d’années, les musiques amplifiées* étaient encore qualifiées par certains de “nuisances sonores”.
Petit à petit, le métier s’est davantage institutionnalisé : l’accompagnement des pratiques artistiques, le développement des publics, et l’action culturelle sont aujourd’hui solidement formalisés.

_Vous êtes “Responsable de l’accompagnement des pratiques et des publics”, qu’est-ce que ça veut dire précisément ?
C’est très large ! Il y a toute la partie orientée vers le “public” dont s’occupe ma collaboratrice Anaïs Gittinger, qui est chargée de l’action culturelle. Ensemble, on travaille à la médiation et au développement du public, de la petite enfance jusqu’à l’Université, et on intervient aussi auprès de certains publics qui ne peuvent pas venir jusqu’à nous : en EHPAD, en maison d’arrêt, ou dans des instituts médicaux spécialisés. On leur propose des concerts, des ateliers d’écriture ou de composition avec les artistes du cru. Ce qui m’amène à ma seconde casquette : celle de l’accompagnement des pratiques.
Sous ma responsabilité, il y a aussi toute l’activité liée à nos studios de répétition, ouverts tous les jours de la semaine, dans lesquels on peut venir jouer de la musique pour une somme assez modique. 300 projets musicaux s’y croisent chaque année, ce qui représente plus d’un millier d’adhérents de tous profils, tous âges (du lycéen au retraité) et de tous niveaux (de l’amateur qui n’ambitionne pas de jouer en public, jusqu’à Vladimir Cauchemar.)

_Dans ces studios, on vient donc pratiquer, qui que l’on soit. Mais on peut aussi solliciter un accompagnement plus étroit, c’est cela ?
Absolument. On propose 3 dispositifs graduels, en fonction de l’état d’avancée des projets. Le dispositif “répétition” offre par exemple un soutien logistique aux artistes, avec un accès facilité aux studios ainsi qu’à un local de stockage. L’ambition et l’aboutissement du projet nous importent peu ici : c’est l’envie de pratiquer qui prime.
Les dispositifs “Carto Cru” et “Grand Carto Cru” demandent en revanche une véritable implication des artistes pour structurer et développer leur projet : ces deux accompagnements proposent des soutiens spécifiques pour émerger et/ou se professionnaliser davantage.

_Comment choisissez-vous les artistes que vous accompagnez chaque année ?
Grâce à des appels à candidatures, qu’on lance pour ces trois dispositifs.
Les lauréats sont sélectionnés par un jury composé d’une dizaine de personnes officiant dans les métiers de la musique (programmateur·ices, attaché·es de presse, directeur·ices de labels, tourneur·euses). Il y a chaque année 60 à 80 candidatures auxquelles nous faisons systématiquement un retour argumenté.

_Pour les chanceux qui sont lauréats, comment organisez-vous ensuite ce suivi au long cours ?
On se rencontre d’abord pour cerner tous les contours du projet artistique, ses objectifs et son niveau de développement. Puis, on établit ensemble un diagnostic et un programme d’actions séquencé sur l’année. La plupart du temps, les artistes qu’on accompagne ont déjà mené une réflexion sur leur projet et leurs ambitions. Nos dispositifs servent à apporter un soutien spécifique : qu’il s’agisse de travailler la communication en ligne, la méthodologie de démarchage pour trouver des dates, ou encore la création d’une scénographie pour le live.

Bien souvent, nous sommes face à des artistes dont on est le seul entourage professionnel: l’objectif est donc de travailler tous les aspects du projet pour qu’ils s’autonomisent le plus possible.

_Quels sont les jeunes artistes dont vous avez aimé croiser la route ?
Comme ça, à brûle-pourpoint, je pense à Fishback, par exemple, qu’on a accompagnée ici à ses tout débuts. Elle avait d’ailleurs participé à des actions culturelles en EHPAD, un public qui la touchait particulièrement.
Il y a aussi la rappeuse Leys, qu’on a suivie pendant deux années, avant qu’elle ne gagne le prix du jury des Inouïs en 2020, et se fasse connaître via l’émission Nouvelle École, sur Netflix. Je pense aussi au projet indépendant de l’artiste Ian Caulfield, au rappeur San-Nom qui a connu une belle visibilité et à Inward, un groupe de métal très talentueux qu’on accompagne en ce moment.

_Quels sont vos enjeux pour les années à venir ?
La question de l’égalité femmes-hommes reste un de nos axes de développement majeurs: trop peu de jeunes filles se lancent dans des projets de musiques amplifiées. C’est en train d’évoluer, mais il faut y travailler encore, et encore.

Tout comme il nous faut développer un certain public jeune, qui n’a pas pu se créer des habitudes de sorties culturelles, à cause du Covid. Notre enjeu est de leur faire découvrir le concert comme pratique à part entière, complémentaire de l’écoute sur les plateformes de musique. À la fin de l’année dernière, nous avons par exemple lancé des soirées “open mic” : en amorce de certains concerts de rap, on laisse la possibilité à des artistes en devenir de prendre le micro, une minute ou deux. Ça leur permet d’appréhender la performance en public et de désacraliser la scène. Ces soirées rencontrent un vrai succès et commencent à essaimer à Reims, ce qui me réjouit !

*Par le terme « Musiques Amplifiées », on désigne toutes les expressions musicales utilisant l’amplification électrique.

La Cartonnerie
84 rue du Docteur Lemoine, 51100 Reims
cartonnerie.fr
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« Lux », calme et volupté… ou l’inverse, sur un canapé anglais à l’hôtel, mais pas uniquement.

Au pays du bon roi Charles III, à la météo vivifiante et aux pubs toujours animés qui pourraient symboliser l’Angleterre, tout comme la sauce à la menthe… un peu vite… trop certainement, le rock n’est pas mort, loin de là : il fait plus que (sur)vivre, il s’épanouit ! Ainsi, de récents groupes (Wet Leg, Yard Act, Frank Carter & the Rattlesnakes…) viennent ravir régulièrement nos oreilles de froggies anesthésiées par trop de rap construit et déversé à la chaine, comme sorti d’un pot de chambre, jusqu’à nous rendre nauséeux et presque sourds… enfin pour certains. Parmi ces groupes de rock qui contribuent à l’écriture des lettres de noblesse du genre en majuscules cursives et élégantes, on peut citer l’ascension d’Hotel Lux*. Typiquement british, rageur, aux paroles acérées, aux sonorités immédiatement reconnaissables, post-punk, pop. On s’imagine presque une pinte de bière brune, rousse ou blonde (peu importe… no comment) en main dégustant un Fish and chips au fond d’un pub anglais animé, un tabloïd posé au coin de la table.

Mis en lumière auprès du grand public via son morceau The Last Hangman entendu sur la BO de la série à succès Peaky Blinders, le groupe de Portsmouth, qui cite parmi ses influences premières, les groupes Blur, Pulp, The Libertines et Pete Doherty, chante l’ennui et le désœuvrement d’une Angleterre working class, les relations familiales, les crimes perpétrés par les tueurs de masse ou les pédophiles, en prenant toujours un malin plaisir à critiquer les habitudes des britanniques, dans l’ombre d’ainés plus illustres tels qu’Idles et Fontaines D.C. Bien que The Last Hangman ait été composé à Fareham, un bourg en périphérie de Portsmouth où ils ont grandi, c’est vers Londres que les regards des membres du groupe se tournent très tôt. Aussi, ils emménagent à Londres dès l’âge de 18 ans, celui où l’on va généralement user ses jeans sur les bancs des amphithéâtres universitaires, et se sont immédiatement intégrés à la scène rock locale. Très vite, les concerts s’enchainent, suivis par la sortie d’un 1er EP Barstool Preaching en 2020 durant le grand confinement, une première tournée en 1ère partie et la parution en janvier 2023 d’un 1er album de 10 titres Hands Across The Creek. Les chansons d’Hotel Lux, ciselées au scalpel de précision, rayonnent de jeunesse tout en offrant un résultat mature, théâtral et visuel donnant souvent l’impression d’être emportés au bord du chaos, invitant à passer la nuit à boire, chanter, danser et baiser… et ne s’en souvenir que le matin à 14h00. Une expérience à vivre le 15 février à La Cartonnerie – Reims.

*Composition : Lewis Duffin (chant) / Cam Sims (guitare-basse) / Jake Sewell (guitare) / Sam Coburn (synthés, guitare) / Craig Macvicar (batterie)

Hotel Lux
15 février à 20h à La Cartonnerie
84 rue du Docteur Lemoine, 51100 Reims
cartonnerie.fr
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Véritable outil de dynamisation des territoires et d’accompagnement de la jeune création, les résidences en maisons d’opéra se multiplient sur le territoire. L’Opéra de Reims héberge ainsi trois compagnies, dont le Collectif Io dirigé par le compositeur Thomas Nguyen.

Les résidences en maisons d’opéra représentent un mode de soutien privilégié à la production artistique dans sa diversité, comme à la professionnalisation des artistes.
Elles offrent en effet un cadre de travail favorisant la rencontre des artistes émergents avec les publics les plus divers, et cela, au plus près du processus de création artistique. Les artistes et l’institution en retirent des avantages considérables : diversité des créations, circulations nationales des productions, adhésion d’un large public, renforcement de la dynamique artistique de la maison…

À Reims, l’Opéra accueille actuellement trois résidences – Les Cris de Paris, la compagnie lyrique Les Monts du Reuil et le Collectif Io – dans une démarche d’accompagnement professionnel et de diffusion de leurs créations. L’Opéra offre aux artistes un contexte de travail privilégié leur permettant, grâce aux espaces et outils mis à disposition, un renouvellement des formes de création, de production comme de transmission. Les résidences d’artistes sont un soutien clé à la jeune création dans une dynamique d’échanges locaux ou internationaux. Elles permettent également à la structure comme aux artistes d’actionner des leviers afin d’obtenir des financements complémentaires. Champs de liberté, objet de co-construction, force de partenariat, vecteur de liens sur le territoire avec les entreprises, les populations – notamment les plus fragiles – mais aussi les jeunes, ces résidences représentent un instrument important et particulièrement dynamique de politique publique.

En résidence depuis 2018 et jusqu’en 2023 à l’Opéra de Reims, Thomas Nguyen, compositeur, fondateur et directeur musical du Collectif Io, partage son expérience : « En cinq ans il est possible de construire un projet cohérent et conséquent, de multiplier les formes d’opéra. On peut avoir une stratégie dans notre création et effectivement développer des actions de territoire. » Car les enjeux de cette résidence tels que définis par l’Opéra de Reims sont multiples : d’une part la professionnalisation du Collectif Io, l’accord d’une place majeure à la musique de création dans la programmation ainsi que l’ouverture du théâtre au jeune public. Le Collectif dispose ensuite d’une grande liberté d’interprétation de ces enjeux, que ce soit dans la nature des créations ou le type d’actions développées.

« Les rencontres artistiques et partenaires me font réfléchir à ma composition différemment. C’est un processus de collaboration des regards qui favorise l’évolution de ma musique. […] Je me suis libéré d’un certain cloisonnement, me permettant d’accepter le risque et le mélange de couleurs musicales. J’utilise l’acoustique comme l’électrique, des instrumentations particulières qui sont le résultat d’un chemin lié à la résidence et à mon parcours de musicien. »

Longtemps, les contes musicaux et opéras du Collectif Io ont été destinés au jeune public, accompagné d’ateliers et de représentations scolaires. Dans le cadre de la résidence, le Collectif a amorcé un virage vers des créations plus contemporaines et tous publics, notamment en préparant la création de l’opéra-odyssée Xynthia* (d’après Un ennemi du peuple d’Ibsen) aux côtés de l’autrice Valentine Losseau et du metteur en scène Mikaël Serre. Profondément imprégné des enjeux du texte avant-gardiste d’Ibsen, le Collectif Io initie avec ce nouvel opéra une démarche au-delà de la création musicale.

« C’est un projet dont l’objet, les enjeux dépassent le spectacle. Nous nous sommes penchés sur l’approche durable du spectacle et la protection des ressources en eau. Nous allons utiliser des textiles bio, des colorants naturels, repenser la mobilité des spectateurs et des acteurs afin de limiter les déplacements et éviter la voiture. Depuis je m’implique dans des discussions sur la décarbonisation de la culture. Pour aller au bout d’une telle réflexion, l’appui du lieu de résidence, des collectivités et de toutes les parties prenantes est indispensable, c’est un engagement politique des artistes, des structures culturelles, de toutes les équipes. Nous serions allés beaucoup moins loin si nous n’avions pas été en résidence. »

*Xynthia, à découvrir à l’Opéra de Reims à l’automne 2022.

thomasnguyen-compositeur.com
operadereims.com

Venu des terres de Bretagne et ayant grandi en région parisienne, Hervé a créé un univers qui brouille les pistes temporelles et transporte l’auditeur entre le Madchester des 80-90’s et la chanson française affiliée à Gainsbourg ou Bashung. Évoquant des thèmes bien ancrés dans notre époque comme le trouble des sentiments ou la santé mentale il a su attirer un public nombreux avec des morceaux mélangeant textes poétiques et énergie dancefloor dont le déjà bien connu Si bien du malque beaucoup ont découvert durant la période de confinement sanitaire, grâce à une pub TV de café ou au clip réalisé dans sa cuisine par le chanteur, largement partagé sur les réseaux sociaux. Process Magazine a rencontré Hervé cet été dans le cadre bucolique du festival La Magnifique Society.

Quel fut ton premier souvenir marquant en matière musicale ?
Il s’agit du son du piano, entendu enfant, sur une compilation de standards de musique classique. En écoutant ce disque j’ai ressenti une émotion extrêmement forte qui m’a complètement transcendé. Je mimais alors le jeu du piano sur la table, mais sans vraiment savoir comment ça allait s’exprimer car il n’y a pas de musicien dans ma famille. Voyant mon intérêt, ma mère a acheté un piano d’occasion et j’ai commencé à aller à l’école de musique de ma ville pour apprendre l’instrument. Mais j’ai eu comme une forme de dyslexie qui m’a obligé à arrêter les cours d’enseignement classique. Cette forme d’enseignement de la musique était impossible pour moi. J’ai toutefois repris l’apprentissage plus tard, différemment, en autodidacte, durant mon adolescence, avec un synthé acheté au supermarché du coin, qui comportait plein de sons préprogrammés.

Quels sont les artistes qui t’ont inspiré dans ta construction artistique ?
Ça va de la scène anglaise des années 80-90 avec les Happy Mondays et New Order, jusqu’à la techno allemande, en passant par la 1^ère génération de French Touch, avec notamment les Daft Punk et DJ Mehdi. Ce sont ces derniers qui m’ont donné envie de faire de la production. En fait, je suis de la génération « Ed Banger » car j’avais 15 ans au moment où ça clubbait fort, notamment au Social club.

Tu as déjà une production bien prolifique…
En effet, j’ai sorti le 1^er EP de Postaal (duo formé avec le britannique Dennis Brown, ndlr) en 2016, puis l’album en 2018, mon 1^er titre solo fin 2018, puis mon 1^er EP en mai 2019, et l’album en juin 2020. Enfin, j’ai sorti la réédition de l’album augmentée de quelques titres en février 2021. L’ajout de ces cinq titres composés durant Noël était hyper important pour moi afin d’attaquer l’année avec de nouvelles choses. Je savais que j’allais aux Victoires de la musique et je ne voulais pas m’y rendre seulement pour faire acte de présence et me dire que j’allais être plus connu seulement en y étant présent avec de belles fringues. Je voulais qu’on parle de musique !

Quel a été l’impact de la pandémie dans ton programme initial ?
Instinctivement j’ai dû m’adapter à la situation particulière qu’on a vécue durant cette période, surtout le premier confinement. Je venais d’écrire mon album, de le produire et le mixer en grande partie à la maison, presque comme en confinement, dans ma chambre. En revanche, la situation a complètement bouleversé mon programme : l’album devait être lancé en mars 2020 et je devais débuter une tournée. Finalement, l’album est sorti trois mois plus tard. J’aurais très bien pu attendre et le sortir en septembre, au cas où l’on aurait pu tourner, mais c’était important pour moi qu’il sorte comme ça, et ça m’a poussé à reprendre ce que je faisais pour Postaal en matière d’image. Ça m’a ramené à ce que je suis, un bricoleur qui touche à tout : écriture, composition, production, image. Ainsi j’ai fait trois pochettes durant le confinement et j’ai filmé mon clip à la maison, le tout avec un IPhone. Il y avait des deadlines qui arrivaient très vite et qui changeaient tout le temps : encore deux, quatre, six semaines… avec des dates butoirs variables. Ce fut assez fastidieux dans ces conditions de mener l’album jusqu’à sa réédition. Je devais avoir une chorale sur Monde meilleur qu’on a dû remplacer par des voix de gens qui me suivent et qu’on a ensuite crédités. C’est Alex Gopher qui a travaillé en studio sur l’album et les a rentrées en mastering. L’Olympia avait été annulé, du coup on l’a fait en vidéo. Je me suis sans cesse adapté. Ça a vraiment été une année complètement folle !

Quelle voie suis-tu pour composer ?
Il y a un processus difficile à analyser, mais j’ai toujours avec moi mon ordinateur, un dictaphone, mes notes, des morceaux de textes ici et là et du son très fort autour de moi. Ça part souvent des batteries, des rythmiques, des tempos, et ensuite je brode. Je compose tout à l’ordinateur, puis les parties sont ensuite jouées par des musiciens. Pour le live, je retravaille beaucoup le son. C’est une sorte de musique électronique rejouée avec de vrais instruments. Il y a l’ambition que le son ne soit pas celui du disque cloné, mais que ce soit le son du disque en mieux. Tout est pensé comme ça. C’est primordial pour moi, car je sais que derrière je vais prendre beaucoup de plaisir sur scène, danser, aller chercher le public et entrer dans une forme de transe.

Quel fut ton rapport avec le public durant la pandémie ?
Il y a eu des accélérateurs : l’Olympia filmé, les concerts TV sur Culturebox, la pub de café, la Victoire de la musique… Tout a servi le projet et a permis de toucher des publics différents.

Comment as-tu vécu la reprise du contact avec le public ?
Ça fait du bien ! En configuration actuelle, c’est un autre chemin vers le son et le public. Là, on fait cinq dates par semaine et c’est un sacré bazar.

Qu’écoutes-tu le plus en ce moment ?
J’écoute The Clash, Squid & Martha Skye Murphy pour Narrator, le titre qu’ils ont fait ensemble, Fontaine D.C. et Soulwax. Je trouve qu’en ce moment il se passe quelque chose d’ultra intéressant et de beau outre-manche, qui avait manqué depuis les années 2010, avec notamment Sleaford Mods et Idles. Je me régale !

instagram.com/hervemusique

Au début des années 2010, Lescop nous entrainait dans son univers pop en nous faisant musicalement atteindre l’au-delà de sonorités spectrales à l’ambiance glacée, claquant comme une déflagration de pistolet. Aujourd’hui, c’est pour un tout autre projet qu’il vient sur la scène du festival La Magnifique Society – Extra Life ! le 26 juin 2021 avec le groupe Serpent, dans lequel il chante. Là, l’univers est plutôt FPunk, mélangeant habilement le Funk et le Punk Post-Pandémie, joueur et jouissif comme un hymne à la (re)vie. Échange à l’heure du café avec Mathieu Peudupin, alias Lescop.

Serpent, ce sont cinq membres avec en première ligne Mathieu Lescop, qui cherchait à retrouver le rapport direct à la composition collective et spontanée : « J’ai fait le conservatoire pour être acteur et c’est un peu par hasard que je suis devenu chanteur, même si j’ai toujours eu envie de chanter et d’improviser. Après une belle expérience en solo je m’ennuyais et je voulais faire de la musique différemment. Ça me manquait de composer en groupe et de tirer la langue au côté froid de la New Wave sombre où je commençais à ne plus être vraiment à l’aise. »

Avec Wend¥ Kill à la batterie, Martin Uslef et Adrian Edeline aux guitares, et Quentin Rochas à la basse, c’est en mai 2019 que naît Serpent, à Paris. « Alors que Wend¥ collaborait déjà avec moi depuis longtemps, j’ai rencontré Adrian à la Philharmonie de Paris et le groupe s’est constitué au fur et à mesure. Ce sont tous des musiciens chevronnés qui sont aussi bien capables de jouer du Rock, du Jazz ou du Classique. Dès notre première répétition, on avait déjà près de trois morceaux. »

Comme une évidence, l’image du Serpent leur vient à l’esprit, celle-ci se conjuguant alors particulièrement avec leur funk froid et leur punk hédoniste en cours de construction. « Le nom Serpent ramène à l’animalité, à l’intuition, à l’efficacité et aux émotions binaires. C’est un animal qui fascine et hypnotise… comme notre musique », précise le chanteur.

Comme une échappatoire à la noirceur d’un monde morose où les rapports humains sont mis sous cloche et où chacun s’est mué en spectre sans visage, le studio de répétition s’est alors transformé en salle de jeu joyeuse et (ré)créative pour le groupe : « Nous sommes un peu joueurs et on s’amuse beaucoup. L’alchimie a pris entre nous et on travaille avec intuition, envie et amusement. C’est très enfantin, on est un peu comme ‘de petits chatons’. Notre processus créatif est bordélique. Nous partons de l’improvisation d’un morceau. À la fin, un autre le poursuit, on se cale tous dessus et au bout de deux minutes trente, soit ça nous plait et on a un nouveau morceau pour notre répertoire sur lequel on continue à travailler, soit on arrête. On a déjà écrit plein de morceaux qu’on souhaite jouer en Live pour les confronter à la scène et au public avant d’aller en studio pour notre premier album (un premier EP intitulé Time for a rethink est sorti en décembre 2020, ndlr). »

Ici, les paroles en langue de Shakespeare remplissent leur rôle musical, détachées de leur simple signification : « L’anglais fonctionne bien avec notre musique qui ne se veut pas trop intello. Comme je maîtrise mal l’anglais, c’est de la ‘maçonnerie’, c’est brut, je vais à l’essentiel, et c’est plus rigolo ! ». Énergiques, elles sont l’accent sur le E d’être.

La crise sanitaire n’a pas eu d’incidence négative – au contraire – sur le processus créatif de Serpent. « Même si c’est frustrant de ne pas se confronter au public, il y a quelque chose à tirer de cette frustration. On a partagé ça avec tout le reste de l’humanité. On a donc tous le droit d’être contents de reprendre les concerts. »

Pour l’avenir, Serpent se verrait peut-être bien « explorer de nouvelles choses et de nouveaux instruments ». Toujours en mouvement, il glisse vers de nouvelles perspectives, sans s’arrêter, hors d’un monde anxiogène et troublé qu’il est grand temps de repenser. Derrière les nuages noirs, le ciel est toujours bleu.

IG : @serpentserpentserpent
FB : @serpentmusic

La Magnifique Society
25-26-27 juin 2021
Parc de Champagne, Reims
lamagnifiquesociety.com
IG : @lamagnifiquesociety

Balthazar est un groupe de pop originaire de Courtrai (Belgique), fondé en 2004. Composé de Maarten Devoldere (chant, guitare, clavier), Jinte Deprez (chant, guitare, violon), Patricia Vanneste (violon, synthé, chant), Simon Casier (basse, chant) et Christophe Claes (batterie), le groupe produit un son reconnaissable par l’utilisation du violon mêlé au synthétiseur. Process a rencontré Balthazar autour d’une bière belge à l’occasion de son live lors de l’édition 2021 du Festival Face B (Cabaret Vert) « Still A Live ».

Comment êtes-vous tombés dans la musique ?
Jinte : J’ai suivi un parcours cliché et pas super rock n’roll. Enfant, je suis passé par une école de musique où j’ai appris le violon.

Maarten : De mon côté, j’ai accédé à la pratique musicale en autodidacte. Mon grand frère jouait de la guitare et il m’a appris quelques accords, puis j’ai commencé à écrire des chansons.

À la fondation de Balthazar, quelles étaient vos aspirations artistiques ?
M : Au départ, Jinte et moi jouions dans la rue, dans la même ville, mais nous ne nous connaissions pas car on jouait dans des quartiers différents. Puis nous nous sommes rencontrés à l’occasion de performances et nous nous sommes rendu compte que nous jouions, chacun de notre côté, de jolies chansons en boucle et que cela devenait ennuyeux. Nous nous sommes donc réunis, ce qui nous a donné d’emblée six chansons, et était plus amusant ! Toutefois, quand on a commencé le groupe, notre but ultime dans la vie était de jouer dans les bars locaux et de vivre de notre musique. On ne pensait pas qu’on se retrouverait à jouer sur de grandes scènes et dans les festivals.

J : On était très jeunes au commencement de Balthazar. Même avec le recul on ne réalise toujours pas complètement notre parcours. Par chance, on est encore très naïfs et c’est important pour faire de la musique.

Avez-vous des maîtres à penser en matière de musique pop ?
M : Nous aimons la musique des 60’s-70’s, notamment John Lennon, Serge Gainsbourg et le Velvet Underground. Nous sommes également inspirés par beaucoup de choses, et on ne choisit pas toujours ses influences… La moindre petite chanson (même particulièrement médiocre) qui passe à la radio peut rester dans nos têtes et on peut en faire quelque chose.

Par quelles étapes passez-vous pour composer votre musique ?
J : Nous composons à deux avec Maarten. Nous écrivons tous les deux les textes et la musique, sans division des tâches. C’est un travail solitaire au départ, car nous travaillons chacun de notre côté jusqu’au point où nous échangeons sur les mélodies et les paroles de chacun. On peut dire qu’on écrit chacun une chanson que nous combinons ensuite en une seule. En fin de processus, nous mixons nos idées, puis les autres membres de Balthazar apportent leur point de vue au moment de l’enregistrement et ça devient une création de groupe.

M : Nous composons énormément de musique et aujourd’hui nous avons une importante bibliothèque de sons avec laquelle nous pouvons faire un album et laisser la magie opérer. D’une certaine manière, nous sommes tous le producteur de l’autre quand il s’agit d’écrire des chansons et ça finit toujours par apporter quelque chose d’inattendu. Parfois on part des arrangements, parfois d’un riff de guitare, parfois on donne toute liberté au reste du groupe, et c’est ce qui est passionnant, après cinq albums, de pouvoir expérimenter et découvrir tout en sachant d’expérience ce qui fonctionne bien ou pas pour nous.

J : Un album est d’une certaine manière une collection de morceaux interdépendants. Ils apportent à chacun un contexte et une dimension qu’ils n’auraient pas seuls. Comme je le disais, c’est une création de groupe en fin de processus, en studio. Or, pour Sand, notre dernier album, on a dû improviser du fait de la crise sanitaire, car nous ne pouvions pas jouer avec l’ensemble du groupe en studio comme nous l’avions imaginé à l’origine. On a donc a dû finir l’album d’une drôle de manière, avec une formation moins « live », en utilisant des rythmes électroniques et beaucoup plus de synthétiseurs puisque nous ne pouvions pas tous être présents lors des enregistrements. D’un coup, l’album a été radicalement différent de ce que nous imaginions lors de son écriture, et ce fut une belle surprise !

De quelle manière testez-vous les nouveaux morceaux ?
J : On ne sollicite pas d’opinion extérieure, sauf parfois quelques amis, car si on aime vraiment un morceau tous les deux avec Maarten (ce qui est assez rare) c’est qu’il doit être suffisamment bon pour figurer dans l’album.

Vous travaillez beaucoup les morceaux entre la version album et la version live ?
J : Une fois qu’on a enregistré l’album et qu’on se met en répétition, on sent très vite si certaines mélodies sonnent mieux avec tel instrument plutôt qu’un autre, même si cela a été enregistré autrement. On aime expérimenter sur la durée de certaines mélodies et sur la répartition des rôles. On aime également ajouter quelques détails assez subtils… En tout cas, ce n’est pas une copie conforme de l’album.

Comment et avec qui travaillez-vous sur vos pochettes d’album ?
J : On a plusieurs approches. Pour la dernière, on avait vu une photographie sur Internet, on ne savait pas ce que c’était ou ce qu’elle représentait, mais on aimait beaucoup l’effet catchy de l’image. On a cherché à en savoir plus sur l’artiste, une sculptrice néerlandaise, et on lui a demandé si on pouvait utiliser l’image de son œuvre car elle était raccord avec le message de notre album Sand.

M : On n’a pas comme Radiohead un ami qui fait toutes nos pochettes, mais on a plein d’amis photographes. Ainsi, pour Rats par exemple, on avait demandé à un ami photographe si on pouvait utiliser sa photo.

Comment avez-vous vécu l’arrêt des concerts à cause de la crise sanitaire et quelles sont vos émotions en retrouvant le public ?
J : C’était bizarre de sortir un album en janvier / février sans pouvoir voir en live la réaction du public. Et maintenant ça reprend avec cet album groovy et fait pour le live qui est parfait à jouer en festival.

M : On est très heureux de reprendre les concerts. C’est très bizarre, c’est comme se réveiller d’un coma, et d’être de nouveau vivant. On était depuis 10 ans habitués à être toujours en tournée et c’était notre vie. Soudain, on s’est retrouvés bloqués à la maison durant un an et demi. Alors aujourd’hui, on mesure encore plus notre chance de pouvoir jouer en live et on ne prend pas ça pour acquis !

Avez-vous une anecdote à nous raconter à propos d’un de vos concerts ?
M : Lors d’un concert en Afrique du Sud nous avions une scène installée sur un lac. Il y avait de l’eau entre nous et le public. La scène s’est effondrée et Simon, notre bassiste, est tombé à l’eau avec sa basse. Après une demi-heure d’efforts, nous avons enfin pu repêcher la basse. Elle était abimée mais elle fonctionnait encore, et, chose étonnante, elle avait un son incroyable, superbe ! Nous avons ensuite enregistré tous les morceaux des albums suivants avec cette basse, dont le son a été magnifiquement transformé par l’eau. Alors nous la chérissons et avons maintenant une assurance pour cette basse qui fait notre son unique. Si nous la perdions, nous serions très mal !

balthazarband.be
instagram.com/balthazarband

Ici, nous ne vous parlerons pas de Baccara ou de Craps. Point non plus d’agent de sa majesté en Black tie. Nous vous parlerons de festival, plus précisément d’un festival bucolique et urbain, une parenthèse magnifique, une société du partage et de rencontres. Partage de sensations, rencontre avec de nouvelles esthétiques musicales. Une bouffée d’air pur après plusieurs mois de quasi-mort sociale pour beaucoup.

Même assis sur des chaises autour de tables à l’heure du thé pour écouter pop, rock, rap ou électro, cette 4^ème édition ^bis va permettre au public de ressentir à nouveau le frisson des concerts en live, en leur temps présent, avec une grande pensée pour leurs ainés d’âge avancé cloués sur une chaise.

Alors, suspendons le temps, tentons de vivre une sorte d’idéal éphémère de beautiful société au public nyctalope et masqué, en quelques heures, quelques jours, fait de musique, de paix et d’amour…

Pour vous mettre l’eau à la bouche en ces quelques lignes, la Magnifique Society 2021 sous sa version revisitée intitulée « Extra Life » accueillera une vingtaine d’artistes, dont, le 25 juin, la chanteuse Pomme, victoire de la Musique 2021 et Yuksek qui, après la sortie de son dernier album Nosso Ritmo en 2020, dans lequel il clame son amour du Brésil et des synthés, offre un début d’année 2021 plutôt prolifique avec notamment la signature de la BO de la série à succès « En thérapie » et la sortie de l’album de son nouveau side-projet Destiino où le pseudonyme Yuksek ne figure pas. Le 26 juin, ce sont Vladimir Cauchemar, au masque précurseur et peu avare de pipeau qui enflammera avec son électro percutante et entêtante et son skull smile les tablées de l’Evénement Hyper Particulier Artistique et Démoniaque qu’offrira la « nuit » festivalière de 2021. Le même jour, Philippe Katerine pourra imaginairement s’adonner à son adoration de regarder les gens danser, Sébastien Tellier nous délectera encore de ses inspirations de poésie électronique et Serpent, néo groupe pop avec Lescop à la voix, s’adressera au corps des gens – ou plutôt à leur esprit – pour ce live entablé.

Pour clôturer cette édition un peu « spéciale » la Magnifique Society invite le 27 juin Catherine Ringer, icone de la pop française, qui reprend les titres des Rita Mitsouko, le groupe plus que mythique qu’elle partageait à parité avec le regretté Fred Chichin. Ce dernier jour de festival ouvrira également sa scène à Yseult, déesse envoutante de la nouvelle chanson française entre trap, rap et sonorités électroniques, jouant avec les mots comme le ferait avec ses poings une boxeuse sur le ring. Ce serait par ailleurs injustice de passer sous silence les live de Lala &ce, jeune rappeuse française du futur, Hervé, chanteur primé aux victoires de la musique en 2021, Soso Maness, rappeur marseillais de la nouvelle génération, Folamour le DJ électro venu de Lyon, d’obédience underground oscillant entre sonorités house et jazzy, Chester Remington pour du rock made in Reims, et bien d’autres encore…

Avec 24 concerts sur 3 jours consécutifs, le festival La Magnifique Society a su se réinventer, malgré les lourdes contraintes parfois déshumanisantes de la crise sanitaire, tout en préservant son esprit autour d’une ligne artistique affirmée et fédératrice pour offrir une excellente programmation faisant cette année la part belle à la scène musicale française. Le public pourra alors faire communion, à distance, jouer sur les clins d’œil de table en table et regarder avec envie celles qui seront installées au plus près des scènes, bénéficiant du meilleur point de vue en contreplongée. Une certaine image du monde, une Magnifique Society, en vert et malgré tout.

La Magnifique Society
25-26-27 juin 2021
Parc de Champagne, Reims

lamagnifiquesociety.com
IG : @lamagnifiquesociety